The Smiths - "THE QUEEN IS DEAD"

 THE SMITHS

"THE QUEEN IS DEAD"

Rough Trade

1986

 

 

 

Siempre he escuchado que The Smiths salvaron el rock en la década de 1980, a pesar de mi obsesión para alabar todo lo que hicieron, esos años fueron en todos los aspectos horribles para la música rock. Las sintonias de radio estaban saturadas de pop sintetizado, y en cierto modo para los amantes de las guitarras fue una tortura auditiva. Sin embargo, durante estos años el rock alternativo nació, también el post-punk , y lo que es considerado como el segundo nacimiento del rock. En el centro de este fenómeno, tres grupos principales, Sonic Youth, Pixies y Jane's Addiction a los que deberia unirse The Smiths y su majestuoso álbum, The Queen Is Dead.Entonces que podemos decir: ¿Es esto un álbum de pop o rock? The Smiths no son una banda de rock , digamos, "convencional" . Morrissey no es Axl Rose, Morrissey es más como un cantante de ópera que un cantante de Hard rock. Moz es un playboy, un chico de clase media, un hermoso niño seductor y con talento, pero aun asi sigue siendo un coloso con pies de barro que confiesa su dolorosa vida en sus canciones. The Smiths mezclaban melodías pop, riffs típicamente rock, guitarras omnipresentes haciendo de todo esa sopa un muro de sonidos.
El álbum abre con " The Queen Is Dead" está en el límite del punk-rock que recuerda a lo que eran Blondie, ya sabeis, el dibujo de la energía del punk y la combinación de una melodía muy bailable, o lo que era Johnny Lydon (Rotten en el período de Sex Pistols) con Public Image Limited, de quien es llamado uno de los pilares del llamado punk-rock. La canción es eminentemente dramática, sube en intensidad, la desesperación, y la batería son casi tribales, Mike Joyce refuerza hasta los límites esta impresión. A partir de la primera canción se alcanza la excelencia. Los máximos de Morrissey como compositor, tanto en esta canción como en todas dieron vida a Inglaterra a sentar las bases de todo lo que siguiria después con el britpop, y es que todo el álbum, habla de la comodidad del aislamiento.
Vamos a hablar de "There Is a Light That Never Goes Out" Creo que es imposible que un ser humano no se ve afectado por esta canción. Cada nota está pensada, cada sílaba es pronuncia para aumentar la intensidad de la canción y la carga emocional que transmite. Si "Last Goodbye" de Jeff Buckley es la  canción de amor más bella de la década de los 90, "There Is a Light That Never Goes Out" es sin duda una de las de los años 80. Y muy, de muy de lejos supera todo lo que haria Morrissey en solitario a excepcion de "Everyday Is Like Sunday", sin embargo, para los que me conozcan saben de mi adoración por esa canción.Otro gran momento del álbum es "Bigmouth Strikes Again", el segundo single del álbum, el primero fue "The Boy With the Thorn in His Side", probablemente la canción con menos interés que me despierta pero aun asi sigue estando a un nivel muy alto, también me he dado a conocer que Morrissey en el momento del álbum, experimentó cambios de tono de voz para armonizar la canción... Debe ser que el hombre ni siquiera sabe que su voz es practicamente perfecta. "Vicar In A Tutu" Es extraña, y ciertamente no me encaja dentro del álbum, no como "Frankly, Mr Shankly" que contiene una armonia alegre. "Some Girls Are Bigger Than Others" es una de mis preferidas de toda la discografia que componen, Morrissey canta en voz baja, con palabras sentidas, y sin duda ambiguas. Trata con nostalgia las palabras de un poeta que fueron pensadas muy fríamente ante su soledad . El espectro de la muerte se cierne en el fondo de todo el álbum. Es el deseo de morir como un ser querido, la angustia ante lo eterno. Pero no es un sufrimiento agonizante y sin esperanza, no hay aqui una señal de socorro e inquietud como hacía Ian Curtis."Never Had No One Ever" es lenta, tortuosa y densa, aunque musicalmente, es muy superior a "Vicar In A Tutu", hay que señalar que por la duración que tiene de casi 4 minutos se dicen muy pocas palabras. "Cemetery Gates" deberia valerle a cualquier ser de la oscuridad, ya que es una balada que te cuenta un pequeño paseo por un cementerio, todo con un sentido muy gótico, muy dulce, suave, y ligero como una burbuja de jabón, una de mis preferidas del álbum.
The Queen Is Dead es una obra maestra, eso es obvio, y una vez lo escuches te convencerá muy rápidamente. The Smiths sentaron muchas de las bases para todo lo que vendria a posteriori, ya sea musicalmente o en letras , la personalidad de Morrissey es tan especial que ha marcado estilo para muchos grupos que no dejan de tratar de llegar a imitar a cada miembro del grupo, al igual que este álbum , pero en realidad hacerlo mejor es una misión imposible. Incluso la portada , muestra una escena con Alain Delon muriendo. Me parece sublime.La voz de Morrissey, las composiciones melódicas mas las esplendidas melodias de Johnny Marr, hicieron llegar a la cima de la madurez y de creatividad a una banda, que hicieron un álbum que a dia de hoy sigue influyendo 28 años después de su lanzamiento. Clásico entre los clásicos .

 

 

Puntuación *10/10

 

SvS

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Gentle Touch - "IN MEMORY OF SAVANNAH"

 GENTLE TOUCH

"IN MEMORY OF SAVANNAH"

Songs I Wish I Had Written

2008

Lo que escribimos cuando escribimos es una crítica? ¿Por qué confiar en las palabras y omisiones trabajadas con un teclado? Preguntas confusas, lo admito, pero mientras escucho "In memory of Savannah" de Gentle Touch , no puedo dejar de preguntarmelo: a veces odio las críticas porque no son mas que  un oráculo que nos sacamos de la vanidad en lugar de la verdad.
No miento si digo que la música oscura y bailable no me gusta, aunque no soy de bailar si me gusta sentir como mis entrañas si lo hacen y aunque hoy en realidad no sabria como calificar el grupo, no se si es EBM, Darkwave, Synthpop, electropop ochentero o vaya usted a saber, tampoco estoy muy versado en el mundillo de la oscuridad electrónica, hay tantos estilos que hacen perder el sentido. A mi me suenan a Depeche Mode y a ratos también a Depeche Mode es lo único que tengo claro.

Gentle Touch me aparecieron de la nada y me cautivaron. Influencias de Depeche Mode, Jesus & Mary Chain , The Cure , New Order, OMD y The Smiths todo metido en una licuadora y para acabar bebiendo zumo de Gentle Touch.
Gentle Touch, son un trío Sueco que toman lo mejor de los grupos anteriores y hacen un cóctel delicioso de ellos. La música está inspirada en los años ochenta, a límite entre el synth pop con un toque de melancolía. Y es que ultimamente estoy fascinado por la música electrónica que sono hace 20 años atrás. ¿La pregunta seria por qué escucho esto cuando deberia hacerlo con los originales y asi cuestionarlos¿? Bueno, para Gentle Touch han conseguido hacer un disco que suena retro, pero con algo fresco y nuevo. A pesar de las referencias son muy claras , no hay un minuto del disco donde me moleste por asi decirlo, más bien lo contrario. El álbum crea algo que te hace estar agusto. Si este disco tiene algo negativo,  es más bien porque es demasiado corto. Ocho canciones de esta calidad son demasiado cortas para tener una satisfacción plena, una pena .El inicio de la pista "Expectations" huele The Smiths y a Depeche Mode. Por encima de todo, las guitarras suenan muy tipicas a Johnny Marr. La canción es una preciosa joya del pop melancólico. "On The Verge Of Tears " es una balada preciosa. Sin duda la mejor del pequeño álbum es "once you used to" es un temazo de los pies a la cabeza, una canción que podría haber sido Hit de cualquier TopTen si estuvieramos en el año 1987,  tiene un bucle que se incrusta en el cerebro. La canción es lo que  hace que el disco sea tan agradable de escuchar. Suena más Morrissey que a Dave Gahan.
La música está inspirada en los grupos mencionados anteriormente, pero todavía contiene algo nuevo y fresco. Si todavia tienes añoranza y sed del sonido de los 80 no lo dejes pasar. Es una banda altamente adictiva. 

Puntuación *8/10

SvS

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Placebo - "WITHOUT YOU I'M NOTHING"

 PLACEBO

"WITHOUT YOU I'M NOTHING"

 Hut

1998

 

Hoy pensé que era un buen día para escribir un álbum que llegué a rallar literalmente el CD por el uso casi interrumpido de 10 años. Es un pequeño recordatorio a mi época veinteañera, un disco para escuchar en Otoño cuando se hace de noche a las 5 de la tarde y caminas a solas con pensamientos confusos que giran en tu cabeza por calles de luces tenues, es verdad que este álbum saca de mi, mi lado mas nostálgico, pero representa tantas cosas que viví por aquel entonces. Amores, amistades, desengaños...nada nuevo para casi nadie verdad? Todos hemos sentido todo eso antes o después, yo como siempre lo viví mas tardío que el resto, pero a diferencia de los demás yo lo sentí exponencialmente muy superior a la media. 

Desde mis inicios con la música siempre me empeñé en buscar detrás de las palabras algo que me hiciera revelarme, que me removiera por dentro, que me hiciera sentir, ser así es lo que tiene por estar exento de todo lo que debería llenarte por ley de vida. Unos buscan rellenar ese vacío existencial en el alcohol, otros en las drogas, otros en practicas creativas, y otros como yo en la música, una salvación que siempre pienso agradecer por mitigar mi dolor por estar en el filo del abismo social. No se si después de esta vida me esperara un cielo infinito o algo mejor que ahora mismo no sé aprovechar, tal vez sea el comienzo de una vida mejor y de aspiraciones que ahora no consigo desarrollar. Pero no, ya llevo años que no consigo despertar del letargo insómnico y cada vez me hundo más y más, me disperso, me encierro, y me aguanto. Porque me falta el valor que muchos consideran parte de mí. Ya a mi edad no necesito dosis de palabras reconfortantes, ni agradecimientos ni confesiones, lo que necesito son hechos.

El romance es un elemento clave de este universo, pero a su vez no evita ser un estado\emoción\sentimiento demasiado obvio o para ser más precisos demasiado convencional en la música. Molko mezclo todo eso en un juego con su androginia, la prestó en su música, en sus letras y claramente no reparo en enseñarnos su lado femenino. Esto puede hacer que más de uno haga una mueca de dolor (a mi personalmente nunca me ha molestado, pero tampoco me he sentido identificado). Nunca he sabido si sus armas son naturales o son para diferenciarse de la masa para marcar un estilo, pero sí es cierto que aquí nos encontramos a un Molko con más fuerza, más sólido y con mas estados de ánimo que el disco anterior. Y es que aquí, se agrava mucho mas esa ambigüedad sexual, pero ya sabemos que la apariencia andrógina del líder es una de las armas del grupo. Esta ambigüedad de Molko le da un carisma muy fuerte combinado con una voz única (voz nasal) que tiene un encanto especial. Como ya dije antes se trata de un álbum con el que acabé teniendo más de una mezcla de sentimientos , hasta el punto de hacer una de él una visión del mundo. Siempre he mantenido el máximo respeto por Radiohead en los últimos años, en cambio no he mantenido una simpatía por el trío de Matt Bellamy, pero Placebo en contra, a sido un grupo con el he sufrido más de una vez mi ira y mi ironía, he sido fan acérrimo y he sido un desterrado. Sin embargo, el tiempo que estuve enganchado fue increible de alguna manera.
Las diferencias con el álbum homónimo están a la vista desde el inicio y se cristalizan durante lo largo del álbum. La voz de Molko es más grave, menos sexualmente ambigua, sin embargo, aún continua teniendo ese acento nasal. El cambio de batería es mínimamente mas ligero y rápido que con Robert Schultzberg. Por último y lo más importante, las guitarras en realidad disminuyen en su sonido metálico, son mas retumbantes, atmosféricas y embriagadoras. Se tratan con delicadeza en este álbum, el sonido de las guitarras es una de las partes mas impresionantes.

"Pure Morning" de inmediato es la gran bofetada. El ritmo lento junto con la indiferencia de Molko contrasta con la sonoridad de los instrumentos. Hewitt aporrea como un bruto, el bajo de Olsdal es tan grave que ningún cráneo puede no retumbar y la guitarra Molko danza por el aire como una hoja de afeitar, su sonido es inquietante y a la vez fascinante. Luego viene el título "Brick Shitouse " sin duda la más violenta todo el álbum, ultra rápida, nerviosa, agresiva tanto en el sonido como en la letra, con un rigor rítmico increíble de cuerdas y batería. Después de dos canciones que nos hacen vibrar y saltar entramos en el terreno peligroso del pop melódico, "You Don’t Care About Us" parece aquietar la progresión agresiva con una guitarra más asequible proporcionado algunos efectos de eco (un sonido que Molko usaría más tarde en albumes posteriores) y que decir que es una de mis canciones preferidas del álbum, con un estribillo que es impresionante, donde la continuidad de la belleza se hace infinita.
El álbum presenta canciones melancólicas, incluyendo "Ask For Answers" algo que recuerda el espíritu de Placebo, o "The Crawl" que es un deseo turbio y oscuro. Ya que hablo de oscuridad, esa oscuridad se hace evidente como una sombra espectral en "My Sweet Prince", un poema cantado que es un viaje musical a la heroína y a la lujuria, una atmósfera casi mórbida. Estos paseos se entremezclan con el corazón melódico y real del disco, impulsado por 3 temas que bordean lo sublime. Creo que para muchos el momento culmen del álbum es, "Allergic (To Thoughts of Mother Earth)", simple pero brillante, donde graves y susurros estan de mayor y menor manera con las notas de la guitarra. "Every You Every Me" es mi preferida, con ese temblor rítmico ( una verdadera firma musical ) y sus riffs pegadizos, después de 16 años no ha envejecido ni un día. Pero la joya de la corona del disco a lo que letra se refiere sigue siendo "Without You I'm Nothing ", una fabulosa carta sin estribillo, solo versos compuesto por melódicas palabras tranquilas, quien sepa de su letra sabrá de lo que hablo. (Cuantas veces la habré escuchado y llorado durante estos años?). "Summer's Gone y Scared Of Girls" son dos temas que reflexionan sobre diversos tipos de relaciones interpersonales, como las reflexiones sobre la promiscuidad masculina.
El final del álbum, "Burger Queen" es la historia de alguien que intenta salir de la rutina y que llevamos dentro todos, trae un poco de alivio después de todo este salvajismo sonoro a través de una tranquila guitarra, dulce, como todos esos hombres que finalmente consiguen paz consigo mismos. Si tienes curiosidad puedes descubrir la pista oculta en el CD, pero no te pienso descubrir el contenido, tendrás que ser tú lector mio :).
Para aquellos que todavía tienen dudas, "Without You I'm Nothing" es el mejor álbum de Placebo a mi parecer. El disco no es, obviamente, tan accesible como los últimos del grupo, es un álbum inflexible, mezclando claramente de instrumentos con voces que perturban y atrapan, las melodías son más oscuras que ningún otro álbum, es menos pop probablemente por las guitarras. Esto también fue criticado por el productor que creía que habían demasiadas canciones lentas, para mi simplemente fue un acierto. Me despido diciendo que si escuchas este disco no vas a pisar el cielo o el infierno, pero sí vas a rozar las cenizas aunque a veces también despegaras hasta tocar las nubes con la punta de los dedos . 

Reseña dedicada a alguien con la cual siempre me unirá la música entre otras cosas y es que cuando unes tu historia con la música corres el riesgo de topar con alguien como ella, alguien que hace que todo sea mejor, y eso es lo mejor que puede pasar, con tu realidad, con tu momento, este momento, hoy. Enfrentándote a la desidia y la apatía, al dolor, a la tristeza. Y cómo se puede llegar a echar tanto de menos...

Puntuación *9/10

SvS

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Chuck Ragan - "TILL MIDNIGHT"

 CHUCK RAGAN

"TILL MIDNIGHT"
Side One Dummy 

2014 

 

Sin querer entrar en polémica (amo a Lanegan y lo amaré siempre, pero...) porque Mark Lanegan no hace un disco así? y se deja hacer inventos puramente elitistas para que los hipsters de turno lo veneren. 

En fin, despues de mi tirón de orejas empiezo mi tertulia que nunca lleva a ninguna parte, pero soy así que le vamos hacer, a Chuck Ragan lo conocí gracias a la recomendación del señor Enric Rivero Armengol y la verdad es que se lo pienso agradecer eternamente como buen Melonhead que también és. Así que hoy nos encontramos recién salido del horno el cuarto trabajo en solitario del amigo Ragan, y es que Chuck Ragan siempre ha sido catártico. Sus composiciones han sido también bastante escuetas, dejando que su voz y letras se eleven por encima de todo. Digo lo de la voz porque hay dos tipos de voces en este mundo, cantantes y narradores. Un cantante puede cantar la guía telefónica y hacer que suene bonita, mientras un narrador podía cantar una agenda y hacer que suene con sentido. El cantante ha aprendido un oficio, el narrador es su oficio. Chuck Ragan es un narrador. Un narrador en posesión de una voz que es como una grava que rezuma dolor, sílabas pronunciadas que resisten a ser también pronunciadas. Cuando esa voz se unifica con la prosa establecen una composición que crean una doble amenaza de elementos que se suman a una experiencia de sonidos realmente únicos.

Aquí cada uno de estos elementos se ha mezclado junto con una técnica impecable y un montón de amor por la música, para crear un álbum cálido y acogedor, que te deja cautivado por la duración de cada una de sus 10 canciones. Con una producción rústica que suena y se siente como si estuvieras en una actuación del medio oeste en algún bar íntimo, pero ruidoso y con un montón de tipos barbudos y rudos, Till Midnight juega como una película antigua teniendote encantado todo el tiempo, viajando a través de la vida y de los tiempos.

Se inicia con con la magnífica "Something May Catch Fire", con una breve sección instrumental que invita a un mundo acogedor, antes de realizar un camino distintivo de esa voz rasposa de Ragan y del lirismo de autentica vieja escuela para tejer una magia cautivante. Indiscutiblemente el mejor coro de Ragan hasta la fecha, es un tema que no te deja otra opción más que sentarse, cantarla y acomodarte para el viaje. "Something May Catch Fire" es seguida por la impulsada " Vagabond", un tema que toma la forma de ese lamento de la vida que ha elegido. " Vagabond " es un aspecto relevante que muestra no sólo la entrega sincera de Ragan, sino también las impresionantes habilidades musicales de su camaradería , ya que cuidadosamente construyen las contribuciones para resaltar el poder y la emotividad de la historia que se cuenta.

El primer sencillo del álbum es "Non-Typical", es cálido desde el momento que Ragan canta las primeras líneas apasionadas sobre un ritmo simple. Una muy poderosa canción que se construye a partir de este principio minimalista en un coro alegre, antes llevarnos a gritar en voz alta hasta dejarnos afónicos. Es la canción quizás que más ejemplifica las características únicas de la voz de Ragan. A medida que la canción termina en medio de súplicas apasionadas de Ragan no se puede dejar de levantar una copa en señal de aprobación por lo escuchado

Y como no hay dos sin tres, podríamos decir que tampoco hay ni cuatro ni cinco, aquí todo es exquisito desde "Rewed", "Bedroll Lullaby" a " Gave My Heart Out", cada uno de las cuales utiliza la talla de la armónica, el acero, la guitarra, el banjo, y una voz para comunicar sentimientos de amor para la vida, para el camino , e incluso para la pérdida. Estos tres temas, al igual que el álbum en su conjunto, revelan la conexión de Ragan a los sonidos de su educación de sureño. Canciones desenfrenadas que proporcionan la transición perfecta en la tenue "Wake With You", más tradicional, cuenta con un Ragan en su momento más romántico, mientras reflexiona sobre la belleza de entregar el corazón plenamente a la confianza de su amada, al tiempo que reconoce que al hacerlo corre los riesgos de ser herido por sus tendencias autodestructivas. Ragan canta "I’ll do my damnedest to make mistakes but once"...joder lo siento, pero es que no puedo evitar sentirme conmovido por su honestidad.

" You And I Alone" recoge el testimonio de nuevo, con su camaradería (lo siento, sé que me repito hoy con lo de la camaderia pero es que me mola jeje) proporcionando un ritmo de capa y espada para gritar You And I Aloneeeeeee , ya que elaboran una canción acerca de batallas en curso con las tiranías de las distancias que afectan a las relaciones de la los hombres que optan por vivir una vida en la carretera . " You And I Alone" es seguido por tres de los mejores minutos de carrera en solitario de Ragan en forma de penúltima canción del álbum, la atronadora " Whistleblowers Song" Una disertación conmovedora en la batalla omnipresente entre el amor y el odio en lo profundo de todos nosotros "Whistleblowers Song" es un ejemplo por excelencia en forma regalo de Ragan como compositor, que combina la crudeza y la honestidad. Con la introspección más comedida de su material anterior. La canción tiene una introducción que no sonaría fuera de lugar en un viejo disco de blues.

Till Midnight es llevado tristemente a su fin con la balada "For All We Care", una canción increíblemente consumada que muestra todo lo que hay de bueno en la unión de Ragan, y el productor (y miembro de Blind Melon) Christopher Thorn. "For All We Care" es una canción de amor apropiadamente cinematográfica y épica que hara erizar el vello, para terminar un disco que parece destinado a convertirse en una pieza venerada para todos aquellos que buscamos regocijarnos en las raices mas básicas y crudas de la música.

Till Midnight ha sido elaborado con el alma. Puedes escuchar y sentir la sangre recorrer, el sudor y las lágrimas de todos los involucrados , desde Ragan, a todos los integrantes de la banda, a la extensa lista de músicos invitados (que no pienso nombrar, pero si lo podeis buscar si os llama atencion). El poder del álbum radica en la autenticidad y en la honestidad de las actuaciones y en la profundidad de las historias narradas. Si es que cuando un artista es capaz de decir, "Cuando uno vive su vida con el uso del corazón, no hay mucho más que esconder" es cuando las palabras dejan de tener sentido.

Esto no es un álbum para escuchar simplemente, más bien se trata de un álbum para sentarse y perderse, siendo el mayor éxito de la carrera en solitario de Chuck. Coge amigos, una botella de whisky, y celebralo hasta pasada la medianoche.

Puntuación *9/10

SvS

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FM Attack - "DEJA VÚ"

 FM ATTACK

"DEJA VU"

Tonight Records

2013

Si la memoria no me falla (cosa rara en mí) diría que nunca he llegado a escribir una reseña de un disco que sirva para ser expuesto en una pista de baile. Algunos dirán que si, pero normalmente no suelo escribirla mas que nada porque tampoco es mi estilo, ya sabéis, esa música con tintes electrónicos, si es cierto que me gustan algunas cosas, pero muy a cuenta gotas. Pero es que a veces me siento con ganas de escuchar algo que no sea el ritmo de una batería o las cuerdas de una guitarra, hoy me siento con ganas de cerrar los ojos y dejarme llevar por la brisa primaveral en la que ya estamos, y que me susurren voces dulces y delicadas. Y que mejor disco para tener esa sensación que el que sacaron el año pasado FM Attack, una banda que ni dios conocerá (comandada por uno de los productores mas infravalorados de los últimos años llamado Shawn Ward) , pero os puedo prometer que gustará a la gran mayoria que adora el Synth\Pop de los ochenta, y es que se esta poniendo tan de moda este género denominado SynthWave que me estan llamando muchísimo la atención la proliferación de bandas que estan saliendo (os suenan College? otros que tal), como se puede ver la cultura retro ya es algo más que una moda, se esta convirtiendo en una especie de religión para muchos fans de esa década.

FM Attack son el elemento básico y mas representativo de la escena Dreamwave desde que iniciaron el camino con su "Dreamatic", en cambio aqui nos encontramos con un álbum mucho mas relajado en lo que se puede llamar la dirección de una canción tradicional, resultando algo tan digno de su atención.

Melodías románticas , llenas de nostalgia musical y voces humanas, sientan las bases de Deja Vu. La voz griega de Retro\Pop Kristine hace su primera de las dos apariciones en el álbum con "Magic" que, al igual que su versión de "Runnaway", es una mancha de carga emocional de los 80, auténticos ritmos pop cargados de sintetizadores que te dejan helado y con una línea de bajo cálido en la que la poderosa voz de Kristine te grita Heyyy You!! No hay que buscar nada raro, es una canción de pop clásica, en contraposición es más o menos igual de adictiva que Runnaway, pero esta última tiene mas reminiscencias Italo disco. Los otros lugares del álbum "Corazon", "Active" y "Fade Away" te  roban directamente la infancia, se codean con otros mundos fuera del nuestro, son maquinales, son bellas es su simplicidad y te haran hacer hasta chasquidos con los dedos, conmovedoras canciones alimentadas como si se trataran de lamentos del pasado como si de un androide se tratara de alguna pelicula de nuestra niñez, para aquellos que crecimos rodeados de series como Galáctica o Miami Vice. "Tears don't lie" y "Lost Angeles" traen algo un poco más tradicional del SynthWave, mostrando su ADN como una banda sonora de los 80's, de dos maneras muy diferentes, enérgicas, pensativas y resonantes. En medio de este caos de sentimientos y emociones uno se libera y se deja llevar por las luces de neón. Deja Vu hace honor a lo que se espera con esta versión de FM Attack. Shawn Ward se ha superado a sí mismo de nuevo, le sugiero que siga por este camino, yo al menos le seguiré hasta donde haga falta.

Puntuación *9/10

SvS

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