Japandroids - "CELEBRATION ROCK"

 JAPANDROIDS

"CELEBRATION ROCK"

Polyvinyl Records

2012

Lo que me ocurrió en su día con Japandroids, fue como un flechazo que me llego de inmediato, como un rayo, una cosa irracional, una historia de amor platónica. Una historia bella y patética de amor, como esos que no saben diferenciar entre un perro y un lobo, en estos momentos que la sombra, la fatiga, y la desesperación te hacen perder el control. Un álbum donde los sueños se hacen mas grandes y aplastan contra los ladrillos la cotidianidad diaria y aburrida donde la frustración que te rodea no ayuda a rehacer el mundo, sólo imaginas un lugar más hermoso, más fuerte y más valiente.
Después de eso, francamente, no me sentí sorprendido de que Japandroids no se hubieran convertido en un "grupo de una noche..." Tal vez por costumbre, después de un primer álbum tan esencial como vital, (especialmente en exceso?) , no esperaba mucho de este paradójicamente llamado "Celebration Rock", además el título me daba mucho miedo. También puede ser que el mensaje de Japandroids, de que se esperaban todavía mejores sorpresas no me hacía tener mucha confianza, además hay que recordar por si la gente lo desconoce que la banda estuvo a nada de la disolución a la víspera del "Post-Nothing". Pero lo que me encontré fue todo aquello que no me imaginaba ni soñaba, todo fue mucho mejor, furia canalizada y nunca domesticada. Una gestión que mantenía intacta su rabia, y una gestión que destilaba la misma emoción, el dúo ofrecía de nuevo un segundo gran disco de rock.
La historia de la música esta tan llena de anécdotas que todo lo que pueda mencionar solo puede quedar en algo sin importancia. No se puede escuchar "Celebration Rock" y no sentirse parte de algo más grande, o por lo menos anhelar ha encontrar esa cosa más grande. Este es un disco que nos muestra un sutil cambio que ha ocurrido en la música rock , ya que, los principios de los 90 (aunque no nos engañemos y me incluyo!, toda la música post- Nirvana no fue más que tristeza) . La música rock, en general, se ha convertido estar mas cerca de la supervivencia que de revelarse contra ella. Como resultado, este disco fue el ruido atronador de dos chicos que no tienen nada que perder.
“The Nights of Wine and Roses” empieza con un sonido lejano de fuegos artificiales (la última canción ocurre lo mismo, como si fuera la clausura de la fiesta), un sonido de apropiadamente celebración. Pero cuando la guitarra corta en él, nos convertimos en parte de la fiesta , y ya no escapamos todo lo que dura el álbum. En cambio, parece que están construyendo cierta masa crítica en “Fire’s Highway”o " Adrenaline Nightshift ". La tensión del álbum cabalga sobre esta anticipación , por lo que podría suceder a continuación , en el poder de un grupo focalizado en personas llenas de una  energía galvanizada. Es un disco que celebra la comunidad. En cambio los momentos más aislados son los momentos más violentos, como "For the Love of Ivy". Es graciosa la historia de la canción que cuenta que un despechado planea  conseguir un arma larga como un brazo  y  matar a todos los que alguna vez me hicieron daño. A esto se le puede llamar rábia contenida!. "Younger Us" es una llamada de atención a esa edad que lleva la gente hoy en sus espaldas (demasiado mayor para lo joven y demasiado joven para lo mayor que eres), a un tiempo cuando la gente juró que se sentirían jóvenes siempre. Es un acierto en tal caso que esta canción venga tan tarde en el álbum, ya que la llamada de atención parece haber surtido efecto,  mas que nada por su frenética frase “we’re on fire ‘til we die”. Quizá Japandroids son el eslabón perdido entre los Smashing Pumpkins y Foo Fighters, "Continuous Thunder" puede que sea el ejemplo de esa armonización tan hermosa de ambos grupos o la genial canción y mas conocida de ellos "The House That Heaven Built".
"Celebration Rock" presenta el hedonismo como el medio para un fin. No hay nada nihilista o burlón en ello. Se invita a todos a la fiesta, nos invita a tomar unas cervezas y gritar las letras de las canciones favoritas juntos, nos invitan a conocer a los demás y a darse cuenta de que todos podemos llegar a donde queramos, recordando donde estamos. Cuando un sentimiento nos lleva no importa donde debamos ir,  - según Japandroids- es como la creencia de que si queremos ir alguna parte debemos aferramos a ella.

Puntuación *8,5/10

SvS

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The Strypes - "4 TRACK MIND (EP)"

THE STRYPES

"4 TRACK MIND (EP)"

EMI

2014

Desde Cavan, desde mi amada Irlanda llegan The Strypes. La banda que me ha robado el corazón desde su primer ep el ya mítico "Young, Gifted & Blue" que incluía la canción "You can't Jugge a Book by the Cover" excelente versión del famoso tema de Bo Diddley. Su primer numero 1 en los charts de Itunes, estamos en otra era… Tras patearse cientos de pubs y antros por todo Londres firman por el sello  Rocket Music Management, dirigido por Elton John. Elton es fervoroso fan de la banda. Estos jóvenes irlandeses no han conquistado solamente el corazón del Sir, entre sus fans se encuentra gente como: Jeff Beck, Paul Weller, Noel Gallagher, Roger Daltrey, Miles Kane o Dave Grohl. Que no es poco. No han inventado nada, eso es cierto. Pero tampoco los Rolling Stones a los que más se asemejan. También hay que decir que únicamente por su amor al blues americano. ¿Como sonarían sus Satánicas Majestades de haber nacido en nuestros días? Pues sonarían como los de Cavan. Para su  álbum debut, llamado Snapshot, que fue finalmente publicado el 9 de septiembre de 2013 eligieron como productor un veterano y no uno moderno y cool. Chris Thomas fue el elegido famoso por participar con The Beatles y Sex Pistols. Con eso esta todo dicho. La pasión Blues de los Stones, el pop fresco de The Beatles y la inmediatez de los Pistols se une con la pasión de Dr. Feelgood y el Savoir Fare de los Yardbirds se presentan a lo largo de los 12 temas de su excelente debut. Con motivo del Record Store Day corrí a mi tienda de discos favorita para hacerme con su Ep conmemorativo y limitado "4 track mind". Mis nietos fardaran ante sus amigos con este 45 rpm entre sus manos. 4 canciones que elevan tu mente."Still Gonna Drive You Home" es un clásico. Un himno inmediato. Con unos juegos de voces de otra vida y que en sus manos dejan a Artic Monkeys en pañales. "Hard to Say No" es rotunda, con fuerza, una bala de cañón directo a tus adormiladas entrañas. Tus pies no pararan de moverse hasta que no finalice la canción. Tremendo solo. "So They Say" es otro tema con alma, algo dificil de encontrar estos días. Como sonarían The Hives si tuvieran corazón y no una caja registradora en el pecho. "I Don't Want To Know" tiene la mortal y endiablada armónica de Ross Farrelly como instrumento principal. Un speedico Blues que en directo pondrá patas arriba cualquier publico del globo. No dudéis de mis palabras. Acercaos a la música de estos irlandeses y vuestra vida será mucho mejor… Infinitamente mucho mejor.

Puntuación *10/10

MARCOS MOLINERO (Mondo Sonoro)

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Eagulls - "EAGULLS"

 EAGULLS

"EAGULLS"

Partisan Records

2014

Esto de hacer entradas de forma tan discontinua me esta haciendo pensar muy seriamente si seguir defenitivamente con el Blog, tampoco estoy pasando por un buen momento para dar rienda a mi creatividad, bueno, eso de la creatividad sería muy discutible mas que nada porque no la tengo, como ya he dicho muchas ocasiones solo soy capaz de escribir desde el estomago y nada con la cabeza y no se en que lugar me deja eso. Nunca he sido muy influenciable, nunca he querido seguir la publicidad ni las modas, pero si es verdad que cuando hablo de música siempre he caído con mas "facilidad" y es que hay cierta música que siempre me ha perturbado buenamente y fascinado como el Post Punk (Joy Division). Será verdad entonces que el etiquetaje que tanto nos tienen bombardeados últimamente es una forma de vender mas? pues va a ser verdad, porque cuando me enteré que estos chicos de Leeds hacían un post punk británico de lo mas novedoso se me fué el álma al cielo y me puse enseguida a enterarme de ellos. Aunque es su primer álbum, hace unos cuatros años ya sacaron un EP en forma de canciones muy undergrounds donde ya daban rienda suelta a sus influencias que iban desde Cure, Clash y Pixies, todos ellos bien conjuntados. Ahora vuelven para ser aclamados por la crítica, y por una buena razón, creo que son un soplo de aire fresco a este estilo, no me parecen una nueva vuelta de tuerca como tantísimos grupos de la nueva ola intentan emular, Eagulls me parece que han ido mas lejos de la herencia del post punk original de finales de los 70. Y es que aquí hay mucho más que una agitación juvenil en este brillante debut.
Ya han dado sus primeros pasos, y se han dado a conocer hasta el otro lado del Atlántico para tocar hace pocas fechas en el "Late Show with David Letterman". Después de lanzar varios EPs, singles y demás, Eagulls finalmente deciden aprovechar el tirón mediatico para realizar el álbum, su receta mágica no es la alquimia, Eagulls prefieren la sencillez y eficiencia. Con una reverberación  atronadora, las diez canciones son colocadas de forma natural.La historia comienza en una explosión asombrosa de guitarreo "Nerve Endings" y donde invita a la batería; acto seguido llega un griterío desde la tumba en un coro con una voz pegadiza y repetida, adorando la ansiedad y el malestar, la enfermedad y el uso de las drogas, todo en un crudo y áspero fondo. Esta introducción podría ser del Unknown Pleasures, pero George Mitchell plantea la comparación sin querer entrar en habladurias y polémicas. Sin embargo, no se trata de un álbum surgido en Manchester a finales de los años 70, sino más bien un álbum que data de este 2014. Aunque a veces la comparación resulta un poco dificil de diluir sobretodo en ese esqueleto de guitarra - bajo - batería con fondo melódico en "Footsteps". Representan el movimiento pero también la inteligencia residente en esta animada y lúcida modernización, abstiendose de la unificación con sus congéneres de Manchester como se puede escuchar y comprobar con "Tough Luck" o "Opaque" donde a me recuerdan a los mejores The Cure.

Sin embargo, también son sutiles, y sorprenden a veces escribiendo y tocando en tonos mas shoegaze "Possessed" pero igualmente resultón. Durante las diez composiciones, colocan una rabia apenas contenida, a medio camino entre el grunge, shoegaze y el post-punk; toman prestado de sus mayores, pero estos chicos no están aquí por eso. Anotan con gran éxito una sencilla receta conocida desde tiempos inmemoriales pero con un grado de innovación. Hasta el momento, se las arreglan para mantener al que escucha el álbum con cierta energía y cada título es un disfrute de impresiones que acaba por invadir. No hay tiempo muerto, las terminaciones nerviosas de "Possessed" y "Tough Luck" ya son parte del presente y lo serán en el futuro, y es que George escupe su aliento en cada estrofa del álbum como si de Ian Curtis se tratara, Eagulls muestran una madurez y un desparpajo que debería hacer de este primer álbum un importante momento a escuchar este año 2014.

Puntuación  *8/10

SvS

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The National - "TROUBLE WILL FIND ME"

 THE NATIONAL

"TROUBLE WILL FIND ME"

4AD

2013

The Nacional, un grupo que no necesita presentación. Aclamados en todo el mundo, y a veces criticados por ser considerados como un grupo demasiado elitista. Con una discografía en ascensión permanente, los dos últimos álbumes hacen participe de mis palabras (Boxer y High Violet). A estos muchachos nunca les ha atrapado el ego y siempre permanecen con una actitud tímida, reservada y muy educada, siempre echando tierra por medio cuando se les pregunta por la fama. Agregaron una película\documental en su reciente gira dandonos a conocer un poco los entresijos de la banda fuera de los escenarios y enseñandonos el comportamiento súper tímido de su estrella Matt Berninger, el cantante nos llevó a sus ansiedades autobiográficas contada a través de sus fuertes palabras. Trouble Will Find Me muestra sus dientes, pero antes de todo te sentiras identificado por su franqueza y demostrando una vez más que la oscuridad puede ser deliciosa. Hoy por contra no voy a comentar ninguna de las canciones, es un disco tan homogénio que no puedo comentarlas por separado.
Hay música que sirve para sacar a la gente a bailar, otra para alegrarse o para pensar en las injusticias de la sociedad. Luego está aquella que sólo transmite decepciones de la vida. Todos tenemos diferentes herramientas para contar y visualizar el significado de lo que queremos comunicar a los que nos va a escuchar. Pero pocos son capaces de equilibrar tan bien entre la esperanza y la desesperación como el cantante Matt Berninger y sus compinches. Simplemente la cosa estaba sumamente dificil despues del exito comercial High Violet, en cambio se han vuelto a superar.
Como el título del álbum indica, no importa cómo te enfrentes a los problemas de la vida porque luego ellos te encontrarán. Tal vez eso fue lo que hizo la banda, con una historia tormentosa internamente que tenían. Es un álbum donde la banda reemplaza el nerviosismo y la frustración que existía previamente a algo que ya no se esconde, sino simplemente acepta las cosas tal como son y tratan con ellos en función de las cartas que les ha tocado tocar en la vida.
Hay discos y canciones que conectan con los recuerdos, como a veces lo hace el olfato y el gusto. Aunque muchas de las canciones son atemporales siempre evocan recuerdos, deseos y sueños a la vida. Porque hay algo positivo en medio de todo lo que yo llevo conmigo y es algo que muchos deberían hacer igual para comprender la música.
El álbum explora entornos más pop, perfectamente esculpidos y sedosos al oído, que rezuman más fragilidad de lo habitual. Es como estar con buenos amigos y darse cuenta de que tenemos menos cosas que decir en nuestra relación. No busques las paradojas, porque están en todas partes de este álbum. Grandioso, pero perfectible, a veces sensible en exceso, a veces atronador como un relámpago, sombrío y luminoso, triste y perezoso y a veces demasiado cruel. Tal vez algunos lo encuentren un poco demasiado largo (no es mi caso). El álbum es más denso en sus composiciones que en los albumes anteriores, son tantas las cosas que tiene que contar, tantas son las emociones que transmite. Este es el álbum de una banda que cambia a las grandes ligas si ya no lo estaban antes- Es menos solitario, con mas confianza y más dispuesto a compartir la música con el mundo. Más allá de estas cuestiones metafísicas serán respondidas con el tiempo.

”I'm having trouble inside my skin. I try to keep my skeletons in. I'll be a friend and a fuck-up and everything. But I'll never be anything you ever want me to be. 

Puntuación *9/10

SvS

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The Smiths - "THE QUEEN IS DEAD"

 THE SMITHS

"THE QUEEN IS DEAD"

Rough Trade

1986

 

 

 

Siempre he escuchado que The Smiths salvaron el rock en la década de 1980, a pesar de mi obsesión para alabar todo lo que hicieron, esos años fueron en todos los aspectos horribles para la música rock. Las sintonias de radio estaban saturadas de pop sintetizado, y en cierto modo para los amantes de las guitarras fue una tortura auditiva. Sin embargo, durante estos años el rock alternativo nació, también el post-punk , y lo que es considerado como el segundo nacimiento del rock. En el centro de este fenómeno, tres grupos principales, Sonic Youth, Pixies y Jane's Addiction a los que deberia unirse The Smiths y su majestuoso álbum, The Queen Is Dead.Entonces que podemos decir: ¿Es esto un álbum de pop o rock? The Smiths no son una banda de rock , digamos, "convencional" . Morrissey no es Axl Rose, Morrissey es más como un cantante de ópera que un cantante de Hard rock. Moz es un playboy, un chico de clase media, un hermoso niño seductor y con talento, pero aun asi sigue siendo un coloso con pies de barro que confiesa su dolorosa vida en sus canciones. The Smiths mezclaban melodías pop, riffs típicamente rock, guitarras omnipresentes haciendo de todo esa sopa un muro de sonidos.
El álbum abre con " The Queen Is Dead" está en el límite del punk-rock que recuerda a lo que eran Blondie, ya sabeis, el dibujo de la energía del punk y la combinación de una melodía muy bailable, o lo que era Johnny Lydon (Rotten en el período de Sex Pistols) con Public Image Limited, de quien es llamado uno de los pilares del llamado punk-rock. La canción es eminentemente dramática, sube en intensidad, la desesperación, y la batería son casi tribales, Mike Joyce refuerza hasta los límites esta impresión. A partir de la primera canción se alcanza la excelencia. Los máximos de Morrissey como compositor, tanto en esta canción como en todas dieron vida a Inglaterra a sentar las bases de todo lo que siguiria después con el britpop, y es que todo el álbum, habla de la comodidad del aislamiento.
Vamos a hablar de "There Is a Light That Never Goes Out" Creo que es imposible que un ser humano no se ve afectado por esta canción. Cada nota está pensada, cada sílaba es pronuncia para aumentar la intensidad de la canción y la carga emocional que transmite. Si "Last Goodbye" de Jeff Buckley es la  canción de amor más bella de la década de los 90, "There Is a Light That Never Goes Out" es sin duda una de las de los años 80. Y muy, de muy de lejos supera todo lo que haria Morrissey en solitario a excepcion de "Everyday Is Like Sunday", sin embargo, para los que me conozcan saben de mi adoración por esa canción.Otro gran momento del álbum es "Bigmouth Strikes Again", el segundo single del álbum, el primero fue "The Boy With the Thorn in His Side", probablemente la canción con menos interés que me despierta pero aun asi sigue estando a un nivel muy alto, también me he dado a conocer que Morrissey en el momento del álbum, experimentó cambios de tono de voz para armonizar la canción... Debe ser que el hombre ni siquiera sabe que su voz es practicamente perfecta. "Vicar In A Tutu" Es extraña, y ciertamente no me encaja dentro del álbum, no como "Frankly, Mr Shankly" que contiene una armonia alegre. "Some Girls Are Bigger Than Others" es una de mis preferidas de toda la discografia que componen, Morrissey canta en voz baja, con palabras sentidas, y sin duda ambiguas. Trata con nostalgia las palabras de un poeta que fueron pensadas muy fríamente ante su soledad . El espectro de la muerte se cierne en el fondo de todo el álbum. Es el deseo de morir como un ser querido, la angustia ante lo eterno. Pero no es un sufrimiento agonizante y sin esperanza, no hay aqui una señal de socorro e inquietud como hacía Ian Curtis."Never Had No One Ever" es lenta, tortuosa y densa, aunque musicalmente, es muy superior a "Vicar In A Tutu", hay que señalar que por la duración que tiene de casi 4 minutos se dicen muy pocas palabras. "Cemetery Gates" deberia valerle a cualquier ser de la oscuridad, ya que es una balada que te cuenta un pequeño paseo por un cementerio, todo con un sentido muy gótico, muy dulce, suave, y ligero como una burbuja de jabón, una de mis preferidas del álbum.
The Queen Is Dead es una obra maestra, eso es obvio, y una vez lo escuches te convencerá muy rápidamente. The Smiths sentaron muchas de las bases para todo lo que vendria a posteriori, ya sea musicalmente o en letras , la personalidad de Morrissey es tan especial que ha marcado estilo para muchos grupos que no dejan de tratar de llegar a imitar a cada miembro del grupo, al igual que este álbum , pero en realidad hacerlo mejor es una misión imposible. Incluso la portada , muestra una escena con Alain Delon muriendo. Me parece sublime.La voz de Morrissey, las composiciones melódicas mas las esplendidas melodias de Johnny Marr, hicieron llegar a la cima de la madurez y de creatividad a una banda, que hicieron un álbum que a dia de hoy sigue influyendo 28 años después de su lanzamiento. Clásico entre los clásicos .

 

 

Puntuación *10/10

 

SvS

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Gentle Touch - "IN MEMORY OF SAVANNAH"

 GENTLE TOUCH

"IN MEMORY OF SAVANNAH"

Songs I Wish I Had Written

2008

Lo que escribimos cuando escribimos es una crítica? ¿Por qué confiar en las palabras y omisiones trabajadas con un teclado? Preguntas confusas, lo admito, pero mientras escucho "In memory of Savannah" de Gentle Touch , no puedo dejar de preguntarmelo: a veces odio las críticas porque no son mas que  un oráculo que nos sacamos de la vanidad en lugar de la verdad.
No miento si digo que la música oscura y bailable no me gusta, aunque no soy de bailar si me gusta sentir como mis entrañas si lo hacen y aunque hoy en realidad no sabria como calificar el grupo, no se si es EBM, Darkwave, Synthpop, electropop ochentero o vaya usted a saber, tampoco estoy muy versado en el mundillo de la oscuridad electrónica, hay tantos estilos que hacen perder el sentido. A mi me suenan a Depeche Mode y a ratos también a Depeche Mode es lo único que tengo claro.

Gentle Touch me aparecieron de la nada y me cautivaron. Influencias de Depeche Mode, Jesus & Mary Chain , The Cure , New Order, OMD y The Smiths todo metido en una licuadora y para acabar bebiendo zumo de Gentle Touch.
Gentle Touch, son un trío Sueco que toman lo mejor de los grupos anteriores y hacen un cóctel delicioso de ellos. La música está inspirada en los años ochenta, a límite entre el synth pop con un toque de melancolía. Y es que ultimamente estoy fascinado por la música electrónica que sono hace 20 años atrás. ¿La pregunta seria por qué escucho esto cuando deberia hacerlo con los originales y asi cuestionarlos¿? Bueno, para Gentle Touch han conseguido hacer un disco que suena retro, pero con algo fresco y nuevo. A pesar de las referencias son muy claras , no hay un minuto del disco donde me moleste por asi decirlo, más bien lo contrario. El álbum crea algo que te hace estar agusto. Si este disco tiene algo negativo,  es más bien porque es demasiado corto. Ocho canciones de esta calidad son demasiado cortas para tener una satisfacción plena, una pena .El inicio de la pista "Expectations" huele The Smiths y a Depeche Mode. Por encima de todo, las guitarras suenan muy tipicas a Johnny Marr. La canción es una preciosa joya del pop melancólico. "On The Verge Of Tears " es una balada preciosa. Sin duda la mejor del pequeño álbum es "once you used to" es un temazo de los pies a la cabeza, una canción que podría haber sido Hit de cualquier TopTen si estuvieramos en el año 1987,  tiene un bucle que se incrusta en el cerebro. La canción es lo que  hace que el disco sea tan agradable de escuchar. Suena más Morrissey que a Dave Gahan.
La música está inspirada en los grupos mencionados anteriormente, pero todavía contiene algo nuevo y fresco. Si todavia tienes añoranza y sed del sonido de los 80 no lo dejes pasar. Es una banda altamente adictiva. 

Puntuación *8/10

SvS

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Placebo - "WITHOUT YOU I'M NOTHING"

 PLACEBO

"WITHOUT YOU I'M NOTHING"

 Hut

1998

 

Hoy pensé que era un buen día para escribir un álbum que llegué a rallar literalmente el CD por el uso casi interrumpido de 10 años. Es un pequeño recordatorio a mi época veinteañera, un disco para escuchar en Otoño cuando se hace de noche a las 5 de la tarde y caminas a solas con pensamientos confusos que giran en tu cabeza por calles de luces tenues, es verdad que este álbum saca de mi, mi lado mas nostálgico, pero representa tantas cosas que viví por aquel entonces. Amores, amistades, desengaños...nada nuevo para casi nadie verdad? Todos hemos sentido todo eso antes o después, yo como siempre lo viví mas tardío que el resto, pero a diferencia de los demás yo lo sentí exponencialmente muy superior a la media. 

Desde mis inicios con la música siempre me empeñé en buscar detrás de las palabras algo que me hiciera revelarme, que me removiera por dentro, que me hiciera sentir, ser así es lo que tiene por estar exento de todo lo que debería llenarte por ley de vida. Unos buscan rellenar ese vacío existencial en el alcohol, otros en las drogas, otros en practicas creativas, y otros como yo en la música, una salvación que siempre pienso agradecer por mitigar mi dolor por estar en el filo del abismo social. No se si después de esta vida me esperara un cielo infinito o algo mejor que ahora mismo no sé aprovechar, tal vez sea el comienzo de una vida mejor y de aspiraciones que ahora no consigo desarrollar. Pero no, ya llevo años que no consigo despertar del letargo insómnico y cada vez me hundo más y más, me disperso, me encierro, y me aguanto. Porque me falta el valor que muchos consideran parte de mí. Ya a mi edad no necesito dosis de palabras reconfortantes, ni agradecimientos ni confesiones, lo que necesito son hechos.

El romance es un elemento clave de este universo, pero a su vez no evita ser un estado\emoción\sentimiento demasiado obvio o para ser más precisos demasiado convencional en la música. Molko mezclo todo eso en un juego con su androginia, la prestó en su música, en sus letras y claramente no reparo en enseñarnos su lado femenino. Esto puede hacer que más de uno haga una mueca de dolor (a mi personalmente nunca me ha molestado, pero tampoco me he sentido identificado). Nunca he sabido si sus armas son naturales o son para diferenciarse de la masa para marcar un estilo, pero sí es cierto que aquí nos encontramos a un Molko con más fuerza, más sólido y con mas estados de ánimo que el disco anterior. Y es que aquí, se agrava mucho mas esa ambigüedad sexual, pero ya sabemos que la apariencia andrógina del líder es una de las armas del grupo. Esta ambigüedad de Molko le da un carisma muy fuerte combinado con una voz única (voz nasal) que tiene un encanto especial. Como ya dije antes se trata de un álbum con el que acabé teniendo más de una mezcla de sentimientos , hasta el punto de hacer una de él una visión del mundo. Siempre he mantenido el máximo respeto por Radiohead en los últimos años, en cambio no he mantenido una simpatía por el trío de Matt Bellamy, pero Placebo en contra, a sido un grupo con el he sufrido más de una vez mi ira y mi ironía, he sido fan acérrimo y he sido un desterrado. Sin embargo, el tiempo que estuve enganchado fue increible de alguna manera.
Las diferencias con el álbum homónimo están a la vista desde el inicio y se cristalizan durante lo largo del álbum. La voz de Molko es más grave, menos sexualmente ambigua, sin embargo, aún continua teniendo ese acento nasal. El cambio de batería es mínimamente mas ligero y rápido que con Robert Schultzberg. Por último y lo más importante, las guitarras en realidad disminuyen en su sonido metálico, son mas retumbantes, atmosféricas y embriagadoras. Se tratan con delicadeza en este álbum, el sonido de las guitarras es una de las partes mas impresionantes.

"Pure Morning" de inmediato es la gran bofetada. El ritmo lento junto con la indiferencia de Molko contrasta con la sonoridad de los instrumentos. Hewitt aporrea como un bruto, el bajo de Olsdal es tan grave que ningún cráneo puede no retumbar y la guitarra Molko danza por el aire como una hoja de afeitar, su sonido es inquietante y a la vez fascinante. Luego viene el título "Brick Shitouse " sin duda la más violenta todo el álbum, ultra rápida, nerviosa, agresiva tanto en el sonido como en la letra, con un rigor rítmico increíble de cuerdas y batería. Después de dos canciones que nos hacen vibrar y saltar entramos en el terreno peligroso del pop melódico, "You Don’t Care About Us" parece aquietar la progresión agresiva con una guitarra más asequible proporcionado algunos efectos de eco (un sonido que Molko usaría más tarde en albumes posteriores) y que decir que es una de mis canciones preferidas del álbum, con un estribillo que es impresionante, donde la continuidad de la belleza se hace infinita.
El álbum presenta canciones melancólicas, incluyendo "Ask For Answers" algo que recuerda el espíritu de Placebo, o "The Crawl" que es un deseo turbio y oscuro. Ya que hablo de oscuridad, esa oscuridad se hace evidente como una sombra espectral en "My Sweet Prince", un poema cantado que es un viaje musical a la heroína y a la lujuria, una atmósfera casi mórbida. Estos paseos se entremezclan con el corazón melódico y real del disco, impulsado por 3 temas que bordean lo sublime. Creo que para muchos el momento culmen del álbum es, "Allergic (To Thoughts of Mother Earth)", simple pero brillante, donde graves y susurros estan de mayor y menor manera con las notas de la guitarra. "Every You Every Me" es mi preferida, con ese temblor rítmico ( una verdadera firma musical ) y sus riffs pegadizos, después de 16 años no ha envejecido ni un día. Pero la joya de la corona del disco a lo que letra se refiere sigue siendo "Without You I'm Nothing ", una fabulosa carta sin estribillo, solo versos compuesto por melódicas palabras tranquilas, quien sepa de su letra sabrá de lo que hablo. (Cuantas veces la habré escuchado y llorado durante estos años?). "Summer's Gone y Scared Of Girls" son dos temas que reflexionan sobre diversos tipos de relaciones interpersonales, como las reflexiones sobre la promiscuidad masculina.
El final del álbum, "Burger Queen" es la historia de alguien que intenta salir de la rutina y que llevamos dentro todos, trae un poco de alivio después de todo este salvajismo sonoro a través de una tranquila guitarra, dulce, como todos esos hombres que finalmente consiguen paz consigo mismos. Si tienes curiosidad puedes descubrir la pista oculta en el CD, pero no te pienso descubrir el contenido, tendrás que ser tú lector mio :).
Para aquellos que todavía tienen dudas, "Without You I'm Nothing" es el mejor álbum de Placebo a mi parecer. El disco no es, obviamente, tan accesible como los últimos del grupo, es un álbum inflexible, mezclando claramente de instrumentos con voces que perturban y atrapan, las melodías son más oscuras que ningún otro álbum, es menos pop probablemente por las guitarras. Esto también fue criticado por el productor que creía que habían demasiadas canciones lentas, para mi simplemente fue un acierto. Me despido diciendo que si escuchas este disco no vas a pisar el cielo o el infierno, pero sí vas a rozar las cenizas aunque a veces también despegaras hasta tocar las nubes con la punta de los dedos . 

Reseña dedicada a alguien con la cual siempre me unirá la música entre otras cosas y es que cuando unes tu historia con la música corres el riesgo de topar con alguien como ella, alguien que hace que todo sea mejor, y eso es lo mejor que puede pasar, con tu realidad, con tu momento, este momento, hoy. Enfrentándote a la desidia y la apatía, al dolor, a la tristeza. Y cómo se puede llegar a echar tanto de menos...

Puntuación *9/10

SvS

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