Reseña: David Bowie - "BLACKSTAR"

DAVID BOWIE

"BLACKSTAR"

RCA

2016

Llevo mas de 20 años cosechando idolos caidos, aunque no puedo negar mi tristeza por la muerte de David Bowie, pero su adios no es comparable a lo que supuso para mi en sus dias la de Layne Staley, Shannon Hoon o Jeff Buckley (como siempre todo el mundo tiene los suyos propios, pero eso no quita los meritos). Es estúpido pensar que este hombre no puediera morir, es lo que tiene el hecho de ser mitos, los idolos los hacemos nuestros y solo por eso los hacemos inmortales. De hecho, cuando estoy apegado a un artista, creo que siempre estará ahí, lo cual es cierto en un sentido, porque Bowie siempre será recordado. Su música es y seguirá siendo para siempre cultura musical. Blackstar fué su última voluntad, una hermosa prueba de amor y gratitud a su público. Hay circunstancias en la vida que simplemente no puedes evitar, no puedes evitar que alguien se vaya, y tampoco puedes hacer que alguien regrese. Pero he aprendido que con la música siempre te recordarán. Todos los momentos, todo lo que fuiste capaz de ofrecer, y todo el amor que tuviste para dar.
"Look up here, I’m in heaven. I’ve got scars, that can’t be seen. I’ve got drama, can’t be stolen. Everybody knows me now". Estas palabras de Lazarus, ahora tienen un significado aún más fuertes. Estoy convencido que el señor Bowie recibio estas palabras directas del paraíso sabiendo su final fatal que se acercaba. Él nos dió un último regalo tan hermoso como conmovedor. La inventiva de este gran hombre caerá más que nunca en su último disco. Oscuro, retorcido y complejo, Blackstar es menos accesible. 7 temas , 41 minutos, ni más, ni menos. La magia está presente, la voz de Bowie es hermosa y serena. Estamos acostumbrados a títulos como Blackstar y Lazarus, 10 minutos de felicidad y hermosura, pero el golpe del maestro revela todavia cosas más profundas que iremos descubriendo en cada escucha. Al igual que todos los discos, tendras que volver a él varias veces para apreciarlo plenamente. Es prácticamente imposible capturar todas las sutilezas en una primera visita. Blackstar es un álbum complicado (en el buen sentido), pero que complace a su legion. Por mi parte, me sedujo, aunque la primera escucha me desconcerto un poco, The Thin White Duke logro salir por la puerta principal con un regalo de valor incalculable. Deja una última historia que traza su muerte para que sea más fácil de aceptar. Has conseguido tu proposito Mr. Bowie.

8

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David Bowie - "THE NEXT DAY"

DAVID BOWIE

"THE NEXT DAY"

Columbia

2013 

Hacía 10 años que el Duque Blanco no sacaba material nuevo, concretamente el 15 de septiembre de 2003 fué la última publicación que deleito a todos sus seguidores, 10 años que nos han parecido un siglo, hasta que en este 2013 a vuelto por la puerta grande, cuando yo personalmente ya negaba toda esperanza no solamente de algo nuevo sino de un disco que escribiría su nombre con letras de oro y es que The Next Day abre el álbum golpeando duro y no para de ahí en adelante, con excepción de los fundidos de entre cada canción, que sirven para dar un respiro rápido. La mayoría de las canciones aquí sólo pueden ser etiquetadas como un puñetazo en el estomago, un término generalmente reservado para la descripción de álbumes excepcionales.  Musicalmente es  funky y artístico en el mismo estilo que fue pionero hace décadas, Bowie no se imita a sí mismo: él sólo infunde actitudes modernas y sonidos en en lugar de dormirse en los laureles como la mayoría de los artistas regresan. The Next Day no debe ser cuidadosamente analizado como una bestia clásica o conceptual, como gran parte de los primeros trabajos de Bowie, solo se puede ser analizado para ser disfrutado por sus fuertes habilidades de compositor.
La mayoría de las canciones estan compuestas extensamente en capas, con un surtido de riffs de guitarras distorsionadas que se superponen unas a otras sobre el bajo y la batería, a menudo respaldadas por extensas secciones de cuerdas, sintetizadores, o lo solos de saxofón. La primera canción es probablemente una de las más simples en comparación, una canción de rock alternativa con algunas condiciones limitadas y un riff. Bowie gruñe su camino a través de un coro, y aunque es rara, esta táctica también es extrañamente encantadora. La canción del título del álbum es seguida por "Dirty Boys", que cuenta con una jazzy / funky cargada, el apoyo creativo de un saxofón. Los versos reptiles están respaldados por letras amenazadoras y ligeramente absurdas como "I will buy a feathered hat/I will steal a cricket bat/Smash some windows, make a noise/We will run with the dirty boys". Más adelante, una canción más edificante aparece en la forma de "Valentine's Day", incorporando combinaciones de solos de guitarra eléctrica y acústica y voces vacilantes de acompañamiento, en un contraste ligeramente inquietante, la cual detalla la mente de una víctima intimidada de sentimientos violentos - "Valentine told me who's to go/Feelings he's treasured most of all/The teachers and the football stars". Bowie conserva la capacidad de escribir palabras con una combinación de clase y elegancia, con destreza refinada y evitando refritos de sus obras clásicas .Incluso las letras que normalmente serían un poco estupidas y repelentes en  manos de bandas de post-grunge son bien ejecutadas, como la rockera  "Boss of Me", "Who'd have ever dreamed that a small town girl like you would be the boss of me". El álbum termina con "Heat", una canción más lenta. "Heat" es perfecta y emotiva. El aspecto sorprendente de este álbum es la profunda falta de auto-indulgencia de Bowie, a pesar de todo el trabajo de estudio. No hay canciones de relleno, no se repiten, y como resultado, no están vacias de naturaleza como tantas veces ocurre. Aún así, el álbum es enorme, y a pesar de no tener clara una declaración de estilos se puede apreciar lo coherente qué es en su conjunto. Un disco que podria ser de la decada de los 60s, pero que por fortuna hemos tenido la oportunidad de vivirlo en la actualidad, The Next Day muy probablemente llevará su propio peso entre las altas esferas de la discografia de David Bowie.

10 years ago that the White Duke pulled no new material, namely the September 15, 2003 was the last release that delight all his followers, 10 years that we felt a century, until 2013 to become this in a big way when I personally hope and denied not only something new but a disk write his name in gold letters is that The Next Day opens the album hitting hard and not thereafter, except fades between each song, used to take a quick breather. Most of the songs here can only be labeled as a punch in the stomach, a term usually reserved for the description of exceptional albums. Musically is funky and artistic in the same style as pioneered decades, not imitated Bowie himself: he just infuses modern attitudes and sounds rather than rest on their laurels as most returning artists. The Next Day should not be carefully analyzed as a classic or conceptual beast, like much of the early work of Bowie, can be analyzed only to be enjoyed by his strong skills as a composer.
Most of the songs are composed extensively in layers, with an assortment of distorted guitar riffs that overlap each other on the bass and drums, often backed by large sections of strings, synths, or saxophone solos. The first song is probably one of the most simple in comparison, an alternative rock song with some limited conditions and a riff. Bowie growls his way through a chorus, and although rare, this tactic is also strangely charming. The album's title song is followed by "Dirty Boys", which has a jazzy / funky charged, creative support of a saxophone. Verses reptiles are backed by letters threatening and slightly absurd like "I will buy a feathered hat / I will steal a cricket bat / smash some windows, make a noise / We will run with the dirty boys". Later, a song more uplifting appears in the form of "Valentine's Day", incorporating combinations of solo electric and acoustic guitar and vocals faltering accompaniment, in contrast slightly disturbing, which details the mind of a victim intimidated by violent feelings - "Valentine told me who's to go / Feelings he's treasured most of all / The teachers and the football stars". Bowie retains the ability to write words with a combination of class and elegance, deftly avoiding refined and rehashes of their classics. Even the letters that would normally be a bit stupid and repellents in the hands of post-grunge bands are well executed, as the rocking "Boss of Me", "Who'd Have ever dreamed That a small town girl like you would be the boss of me." The album ends with "Heat", a slower song. "Heat" is perfect and moving. The surprising aspect of this album is the profound lack of self-indulgence of Bowie, despite all the studio work. No filler songs, not repeated, and as a result, are not empty of nature as so often happens. Still, the album is huge, and despite having no clear style statement you can see what is coherent whole. An album that could be the decade of the 60s, but fortunately we had the opportunity to live in the present, The Next Day probably take its own weight between the upper echelons of the discography of David Bowie.

Puntuación 9/10

SVS 

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Jimi Hendrix - "PEOPLE, HELL & ANGELS"

JIMI HENDRIX

"PEOPLE, HELL & ANGELS"
Legacy

2013

Hablar de Jimi Hendrix para mi es recordar esas tardes en la casa de un buen amigo, poniendo sus discos en su viejo radiocassette de cinta, donde el mp3 no tenia cabida en nuestras vidas, eran tardes de esencia de música. Como este disco que nos regala los oidos el desaparecido Hendrix. Esencia en estado puro. La historia del disco tiene algo de miga ya que la versión de 1997 de Rising First Rays of the New Sun, fue un intento de construir finalmente el álbum que nunca Jimi Hendrix tuvo la oportunidad de completar. Consistía en grabaciones de estudio inéditas que Jimi trabajó después de la desaparición de la "The Experience". Aunque Mitch Mitchell todavía está presente en algunas de las canciones, mucha de la música que grabó con el bajista Billy Cox y su nuevo baterista, Buddy Miles, ambos de los cuales irían a realizar la banda en potencia, Band Of Gypsys . En este punto, uno se debe estar preguntándo dónde está exactamente o donde esta la esencia de People, Hell & Angels?. Pues bien, eran los planes iniciales para el álbum oficial (First Rays of the New Rising Sun), así que es como una liberación adicional de las canciones que no encajaban en el proyecto bajo el nombre People, Hell And The Angels. En otras palabras, se trata de la secuela prolongada de tomas raras y encarnaciones tempranas de First Rays of the New Rising Sun. Por lo tanto, lo que aquí ofrece es una oportunidad de ver cómo estas canciones han evolucionado con el tiempo y la forma de que Jimi planeaba para este quinto álbum.

Fue un período de transición en la carrera de Jimi, y al instante uno percibe la forma de la música que expresa. A pesar de las grabaciones de First Rays of the New Rising Sun que tienen lugar inmediatamente después de la liberación de uno de los esfuerzos de la psicodelia de señal más aclamados, Electric Ladyland, este disco en particular muestra que Jimi empezaba a desviarse de las innovaciones elaboradas y adopaba un estilo mucho más simple. People, Hell & Angels podría de una manera de ser considerado como el debut "real" de Band of Gypsys, porque no sólo es la mayor parte del contenido construido por sus miembros, sino que también revela el sonido intrínseco de blues-rock de un grupo que se convertiría en venerado. Inmediatamente "Earth Blues" abre el álbum, y ya podemos escuchar a otra persona con Jimi Hendrix tocando la guitarra. No hay capas de distorsión o excesivas wah-wah tan famosas de Hendrix, sino decoraciones que se pueden encontrar en la ejecución de sus riffs y trabajo en solitario de  blues 'electrificado". Incluso los coros vocales que acompañan a Jimi, tienen esta influencia visible derivada de la música gospel y soul. El sonido de Band Of Gypsys a menudo ha sido reconocida como un intento de Jimi para volver a conectar con el del sur y las "raíces" del blues tradicional, ayudando a añadir un tono conmovedor a un puñado de temas. "Somewhere" es una de las pocas que cuentan con el uso de la distorsión wah-wah, pero su papel tiene un propósito diferente aquí que la encontrada en álbumes como Axis: Bold as Love y Electric Ladyland . Los toques de wah-wah se usan con un sentido notable de contenerse, y es porque Jimi incorpora la técnica para aumentar simplemente la ranura de la guitarra en lugar de su creación como una exhibición de forma destacada de las afirmaciones psicodélicas.Como mencioné anteriormente, una de las características principales del álbum es que está encarnado por un puñado de canciones conocidas, aunque cada una está bajo diferentes interpretaciones, ya sea musical o lírica. Algunas están presentes en Rising First Rays of the New Sun, mientras que otras las hemos escuchado en numerosas ocasiones en otros álbumes de forma póstuma. Los principales ejemplos que vienen a la mente sería "Izabella" y "Hear My Train A Comin '", que prácticamente todos los fan de Jimi Hendrix ha escuchado al menos una vez, especialmente sus temas más conocidos en el festival de Woodstock. "Izabella" es una de las pocas canciones que no sólo caracteríza a Mitch Mitchell tocando junto a Jimi, sino que también exhibe a la banda un soporte de originalidad. Aunque el guitarrista Larry Lee y los percusionistas Jerry Vélez y Juma Sultan, logran hacer acto de presencia, esta versión en particular de "Izabella", no está a la altura del nivel de vitalidad carismática que se expresó en Woodstock. Además de lo larga que es, no hay mucha diferencia en su estructura y composición musical, sin embargo, esta versión de estudio carece de esa sensación cruda. En cuanto a "Hear My Train A Comin'", a aparecido en innumerables  recopilaciones de diferentes cajas y grabaciones en directo, pero llegado a este punto ya no importa la variación del sonido que nos ofrece, no estamos cansados ​​de oírla. Esta canción es sin duda una de las más célebres de Hendrix, y aunque ofrece un comportamiento de vivacidad y abundancia de solos de guitarras emocionantes, no tiene prácticamente nada nuevo.
La última parte del álbum, y sobre todo canciones como "Crash Landing", "Hey Gypsy Boy" y "Villanova Junction Blues", sienten como si les faltara algún pequeño elemento crucial necesario para acabar de hacer el álbum irresistible como en otros trabajos previos de Jimi Hendrix. "Let Me Move You" y "Mojo Man" son las únicas canciones de este álbum que realmente se sienten 'completas'. Las dos están influenciadas por el jazz y que decir que a me vuelven loco. Sin embargo, esto está lejos que sea la última vez que vamos a oír hablar de algo nuevo de Jimi Hendrix, de hecho, ya ha sido revelado que habrá varias grabaciones en directo. Como si Jimi Hendrix no tuviera ya suficientes álbumes en directo, verdad?.

Speaking of Jimi Hendrix for me is to remember those evenings at the home of a good friend, putting this album on his old radio cassette tape, where the mp3 had no place in our lives, were essentially music evenings. As this record that gives us the missing ears Hendrix. In its purest essence. The history of the disk has some crumbs as the 1997 version of First Rays of the Rising Sun New, was an attempt to finally build the Jimi Hendrix album that never had a chance to complete. It consisted of unreleased studio recordings Jimi worked after the demise of "The Experience". Although Mitch Mitchell is still present in some of the songs, much of the music he recorded with bassist Billy Cox and his new drummer, Buddy Miles, both of which would go to make the power band, Band Of Gypsys. At this point, you may be asking where exactly or where is the essence of People, Hell & Angels?. Well, were the initial plans for the official album (First Rays of the New Rising Sun), so it's like an additional release of songs that did not fit in the project under the name People, Hell And The Angels. In other words, it is the rare sequel takes prolonged and early incarnations of First Rays of the New Rising Sun. So, what we offer is a chance to see how these songs have evolved over time and how that Jimi planned for this fifth album.It was a transition period in the career of Jimi, and instantly the way you perceive the music expresses. Although the recordings of First Rays of the New Rising Sun that take place immediately after the release of one of the efforts of the most acclaimed psychedelia signal, Electric Ladyland, this particular disc shows that Jimi began to deviate from the innovations adopaba elaborate and much simpler style. People, Hell & Angels could in a way be considered as the debut "real" Band of Gypsys, because not only is most of the content built by its members, but also reveals the intrinsic sound of a blues-rock group would become revered. Immediately "Earth Blues" opens the album, and we can listen to another person with Jimi Hendrix playing guitar. No excessive layers of distortion or wah-wah Hendrix so famous, but decorations that can be found in the execution of their riffs and solo work blues electrified. "Even the vocal choirs accompanying Jimi, have this influence visible derived from gospel and soul music. The Band Of Gypsys sound has often been recognized as a Jimi attempt to reconnect with the South and the "roots" of traditional blues, helping to add a poignant tone to a handful of issues. "Somewhere" is one of the few that have the use of distortion wah-wah, but its role has a different purpose here than found in albums Axis: Bold as Love and Electric Ladyland. wah touches -wah used with a remarkable sense of restraint, and it is because Jimi incorporates the art to increase just the guitar slot instead of its creation as a prominent display of psychedelic claims.As mentioned earlier, one of the main features of the album is that it is played by a handful of well-known songs, although each is under different interpretations, whether musical or lyrical. Some are present in Rising First Rays of the New Sun, while others we have heard many times in other albums posthumously. Prime examples that come to mind would be "Izabella" and "Hear My Train A Comin '" which virtually all of Jimi Hendrix fan has heard at least once, especially her best known in the Woodstock festival. "Izabella" is one of the few songs that not only characterizes Mitch Mitchell playing alongside Jimi, but also exhibits the band a support originality. Although guitarist Larry Lee and percussionists Juma Sultan and Jerry Velez, manage to make an appearance, this particular version of "Izabella", is not up to the level of charismatic vitality expressed in Woodstock. Besides how long it is, not much difference in structure and musical composition, however, this studio version lacks that raw feeling. As for "Hear My Train A Comin '", has appeared on countless compilations of different boxes and live recordings, but at this point it does not matter the sound variation offered, we are not tired of hearing it. This song is definitely one of the most famous of Hendrix, and even offers a lively behavior and abundance of exciting guitar solos, has virtually nothing new.The last part of the album, especially songs like "Crash Landing", "Hey Gypsy Boy" and "Villanova Junction Blues", feel like they are missing a crucial element needed for small to finish the album irresistible as in previous work Jimi Hendrix. "Let Me Move You" and "Mojo Man" are the only songs on this album that really feel 'complete'. Both are influenced by jazz and to say that I'm crazy. However, this is far to be the last time we hear of something new from Jimi Hendrix, in fact, has already been revealed that there will be several live recordings. Like Jimi Hendrix did not already have enough live albums, right?.

Puntuación 9/10

SVS

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David Bowie - "LOW"

DAVID BOWIE

"LOW"

RCA

1977

Este álbum no es producido por Brian Eno, aunque para mucha gente crea lo contrario, sino que es producido por Tony Visconti. Brian Eno fue un colaborador, y él tenía su caja de trucos sonoros, pero, Visconti era responsable del sonido de la batería. Eno, por supuesto, fue muy influyente en los temas instrumentales que ocupan la parte dos de este álbum, De hecho, es un álbum innovador para Bowie, nada había sonado como antes. Bowie, Eno y Visconti habían creado, en Berlín un sonido que era totalmente nuevo, de principio a fin. Incluso la estructura de las canciones. "Low" no se trataba de ser un éxito comercial, no se trataba si iba a vender. Bowie estaba harto de la presión mediática. Irónicamente, su nuevo álbum anti-comercial le iba a proporcionar un gran éxito solo con "Sound And Vision", una canción con una introducción instrumental larga, pero muy pegadiza, Tiene un sonido distinguido, batería, sintetizadores y otros ruidos extraños surtidos y variados separados por  voces.
Tenemos muchas canciones notables, las letras son extrañas pero maravillosas como "Breaking Glass, el sonido de la batería es fantástico. Y por supuesto un punto culminante de la primera parte es la deliciosa "Always Crashing In The Same Car", puedo escuchar este tema todo el día y no me aburriría nunca, no sé si es por algún tipo de efecto, pero tiene algo de mágico. Vocalmente Bowie esta esplendido, resignado y cansado a su vez. Los sonidos son tan extraños en su tiempo, son de largo muy adelantados a su época, incluso hoy en día no sabríamos distinguir de que época son. Bowie, por supuesto, se guarda canciones enteras construidas en torno a lo que se podía ser un error. "Be My Wife" es otra maravilla, otra canción breve que no sigue las reglas obvias de la música, sin embargo, se las arregla para ser una de las más pegadizas del álbum. Te deja la sensación de estar pidiendo más. De las instrumentales, sobresale sobretodo la creada por Bowie que es absolutamente fantasmal "Warszawa" resulta terrorífica, y a su vez hermosa, solo una canción como "A warm place" de Nine Inch Nails es comparable. "Weeping Wall" otra que suena por delante de su tiempo, incluso hoy en día. Tiene un minimalismo, un minimalismo que respira a Eno, y que los músicos y productores de hoy harían bien en tomar buena nota. Hay espacios de todo, espacios que dejan espacio para la imaginación. Un disco adelantado 20 años, el "The Downward Spiral" de los años 70, y si no me crees escucha el tema oculto "All Saints", un tema que suena y rezuma a música industrial por todos los sentidos. Reznor seguro que cogió buenos apuntes de este disco.

*****

This album is produced by Brian Eno, although many people think otherwise, but is produced by Tony Visconti. Brian Eno was a collaborator, and he had his box of tricks sound, but, Visconti was responsible for the sound of the drums. Eno, of course, was very influential in the instrumentals occupying part two of this album, in fact, is a groundbreaking album for Bowie, sounded nothing like before. Bowie, Eno and Visconti had created, in Berlin a sound that was totally new, from start to finish. Even the structure of the songs. "Low" was not to be a commercial success if it was not going to sell. Bowie was sick of the media pressure. Ironically, his new anti-commercial album was going to provide a huge hit single with "Sound and Vision", a song with a long instrumental introduction, but very catchy, has a distinguished sound, drums, synthesizers and other assorted noises and varied Separated voices. 
We have many notable songs, the lyrics are weird but wonderful as "Breaking Glass, the drum sound is fantastic. And yes, of course a highlight of the first part is the delicious" Always Crashing In The Same Car ", I can hear this issue all day and never get bored, do not know if it's some kind of effect, but there is something magical. Vocally this splendid Bowie, resigned and tired at the same time. sounds are so strange at the time, which are long way ahead of its time, even today we would not know that times are distinguished. Bowie, of course, is saved entire songs built around what could be a mistake. "Be My Wife" is another highlight, another song that does not follow soon obvious rules of music, however, manages to be one of the most catchy album. leaves you the feeling of wanting more. Of the instrumentals, especially projects that created by Bowie that is absolutely ghastly "Warszawa" is terrifying, and in turn beautiful, just a song like "A Warm Place" by Nine Inch Nails is comparable. "Weeping Wall" another that sounds ahead of its time, even today. has a minimalism , minimalistic breathes Eno, and that musicians and producers of today would do well to take note. spaces are all spaces that leave room for imagination. A front disc 20 years, the "The Downward Spiral" the years 70, and if you do not believe me listen to the hidden theme "All Saints", a song that sounds and industrial music seeps through all the senses. Reznor certainly took good notes of this album.

Puntuación *10/10

SVS 

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