Starsailor - "SILENCE IS EASY"

 STARSAILOR

"SILENCE IS EASY"

EMI

2003

Existen emociones en algunas canciones que viven instaladas en las gargantas de sus artistas de una forma natural, como en su día la tuvo el angel Jeff Buckley. Este es el caso de James Walsh, un artista maldito por así decirlo, olvidado con una voz portentosa y denostado por la industria. Es difícil evocar el nombre de James Walsh sin Starsailor o sin mencionar el hecho que es conocido por su increíble composición en sus canciones, con una voz como frontman fuera de lo habitual.  
Esta segunda entrega del artista Inglés fué publicado en 2003 y tenía todo para crear entusiasmo mucho antes de su lanzamiento. Ya porque el enorme éxito de Love Is Here del año anterior había generado una expectativa desmedida por parte de crítica y del público; sino también por el anuncio de la participación de la legendaria producción de Phil Spector. Para este segundo punto en la carrera de Starsailor, fue un punto de inflexión, y es que los segundos albumes siempre son los que deben de lidiar la dirección que debe tomar la banda. Aquí nos encontramos al vocalista James Walsh desatando su emotivos lamentos como si fuera Jeff Buckley, con todo ese anhelo melodramático que solo él puede reunir.
Está claro que la formula britpop vuelve a funcionar y a estar teñida de ese halo romántico en este segundo disco. La voz de James Walsh convence en todas las piezas, "Fidelity", "Music was Saved" o "Silence is Easy" representan la excelente razón porque Starsailor aparecen aquí con todos los honores, aunque la sombra de Travis planea durante todo el álbum, pero con un sentido en todo caso de la melodía y nunca de cualidades, el álbum es más un placer que un dolor proverbial. Starsailor nunca fueron sucedáneos de Coldplay, ni de Doves o Travis, ellos crearon su propia banda con sus propias cualidades, con sus pros y sus contras, pero siempre ellos.

Puntuación *8/10

SERGIO VERDIELL

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The Sisters Of Mercy - "FLOODLAND"

 THE SISTERS OF MERCY

"FLOODLAND"

Merciful Release/WEA

1987

Cuando hablamos de Tom Smith, Matt Berninger o Paul Banks deberíamos saber que sus voces aunque son fenomenales, suenan a ecos del pasado. Al igual que con cada década hay grupos que marcan un antes y un después, los años 80 fueron una época de transformaciones musicales. Géneros como el hard rock y el punk se redujeron lentamente y fueron reemplazados por otros, incluyendo el post-punk y el rock gótico. El rock gótico estaba dominado por The Cure, Bauhaus y Joy Division, pero de todas había una banda de lo mas singular; The Sisters Of Mercy.
Liderados por su vocalista emblemático Andrew Eldritch, The Sisters Of Mercy lanzaron su debut en 1985. Siempre obstaculizadados por la falta de producción, dejaron su huella en el rock gótico, pero al mismo tiempo dejaron una banda en ruinas, con cambios importantes de formacion en cada uno de sus discos.
Floodland fue lanzado en 1987 y marcó una ligera diferencia en el sonido de la banda. Para empezar, en este disco The Sisters of Mercy constan de dos miembros menos. Wayne Hussey y Gary Marx dejando a la banda todos los deberes de guitarra en este álbum a Andrew Eldritch. Para no hacer el cuento largo, Floodland es básicamente un álbum en solitario bajo el nombre de Eldrich y con el apodo The Sisters of Mercy, mientras que el First and Last and Always siempre aparecieron todos los miembros a relucir, pero he de decir que a titulo personal el trabajo sobre todo de Wayne Hussey y Gary Marx fue descomunal, supongo que siempre me he sentido un fiel seguidor de Wayne Hussey y sus The Mission UK. Floodland fue grabado con un gran uso de secuenciadores, mientras que First and Last and Always ofrecieron un enfoque más tradicional, mucho mas arcaico. Sin embargo, los dos álbumes comparten muchas similitudes instrumentalmente.
El ambiente es perturbador, sombrío y dominado por la característica voz profunda de barítono de Eldrich que se comunica con la desesperación de otros vocalistas congéneres de la época. La música puede ser caracterizada como una mezcla de rock gótico y dark wave para aquellos qué están familiarizados con Fields of the Nephilim, The Cure o Bauhaus, ya que encontrarán varias similitudes. Sin embargo, la diferencia entre Floodland y First and Last and Always se encuentra en las letras. En este álbum, Eldrich se ocupa de cuestiones tales como las relaciones personales, la sociedad y el imperialismo despota. En lo que se refiere a temas sobresalientes, "Lucretia, My Reflection" no sólo es la mejor cancion del álbum, sino una de las mejores de la discografia de The Sisters of Mercy. "Dominion", "1959", "This Corrosion" y "Flood II" también son canciones excepcionales.
En general, aunque creas que es muy oscuro Floodland no lo es tanto como parece, pero si sigue siendo un excelente álbum con una interpretación vocal increíble de Andrew Eldritch. Los fans de The Cure, Bauhaus o incluso del gothic metal de los 90s seguro que encuentran diversos elementos que les gustará. Es un álbum para dar mas de una oportunidad si no lo has escuchado nunca.

Puntuación *8/10

SERGIO VERDIELL

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dEUS - "WORST CASE SCENARIO"

dEUS

"WORST CASE SCENARIO" 

Bang!

1994

 

En 1994, dos placas tectónicas chocaron: por un lado el atardecer grunge estadounidense, y por el otro lado el britpop Inglés en plena erupción. Contra todo pronóstico, en Bélgica fue un poco la zona de nadie para intentar llegar a una reconciliación para todos, ellos quedaban un poco fuera del concurso o de la rivalidad de estilos que subyacian, en el caso de Deus, la colisión de estilos quedaba lejos de toda creatividad de estilos actuales, ellos eran diferentes a todo, sonaban alternativos y pop pero a su vez eran psicodelicos y experimentales. Como su nombre indica, Worst Case Scenario, dEUS estaban en el peor escenario posible.
Este primer disco demuestra que dEUS no tenian miedo a combinar melodías pop, cuadrando con fantásticas experiencias de jazz, ni confesarse con el espectro caleidoscópico de influencias de Frank Zappa o en la Velvet Underground, Neil Young o Tom Waits. Negar los principios del art-rock, fue como unas de sus premisas. El disco da el pistoletazo de salida estallando con Suds & Soda, con un solo increíble de violín chirriante suficiente para hacer volar en pedazos un sonido tan poco caracteristico y a la vez tan pegadizo, algo que muy pocos artistas pueden presumir.
Más de quince años después, en 2009 nos volvimos a encontrar con que la quema de carbón siguia brillando en una reedición de lujo que sacaron, con diecisiete temas extras (B-sides, demos, rarezas de todo tipo). dEUS es un grupo con la sexualidad desenfrenada, de hecho, su música no se puede reducir a una visión romántica y torturada existencial como a veces han sufrido The Smiths o Nick Drake.
Ellos permitian verter el sentimentalismo en la utopía, y el sentimentalismo con el infierno secreto. Frases sin sentido en canciones con una ambiguedad sin sentido. Enormes y únicos!
  

  
Puntuación *8,5/10

Sergio Verdiell

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Days Of The New - "DAYS OF THE NEW" (Yellow)

 DAYS OF THE NEW

"DAYS OF THE NEW I" (Yellow)

Geffen Records

1997

Si me hubieran dado la oportunidad de tener en 1997 la tecnología del rayo de la muerte del señor Nikola Tesla para poder fulminar todo el que quisiera, lo primero sin duda que hubiera elegido para desaparecer de la faz de la tierra habría sido la banda Days Of The New. Creo que junto con Silverchair eran las bandas mas odiosas y aprovechadas del panorama alternativo, sin olvidar tampoco al amigo Gavin Rossdale de Bush. El caso, es que con el paso de los años no se si ha sido la edad o el inicio de alguna enfermedad mental o auditiva, que me he empezado a cuestionar si realmente Days Of The New eran tan malos como siempre me había cuestionado, bueno cuestionado no se si es la palabra correcta, mas bien siempre sentí como una certeza en ellos como una copia descarada de las bandas de Seattle, en cambio hoy el paradigma en mi a cambiado, no se si realmente a peor, imagino que si... Para quien no conozca tal banda, la principal manija promocional era que tocaban heavy-metal-grunge con instrumentos acústicos. Esta descripción es, de hecho, muy apropiada, ya que un gran número de canciones de este álbum están basadas en acordes de energía y arpegios de metal realizadas en guitarras acústicas, con toques de thrash influenciados en intervalos disonantes como "Face of the Earth o "Solitude". Los escasos, pero de buen gusto momentos de solos de guitarra también son presentes y son igualmente tocados de forma natural "Touch, Peel and Stand".Mientras las influencias de Travis Meeks son obvias (Alice in Chains, Metallica, y una pizca de Pearl Jam) sus gestos como cante son constantes y son de lo mas adustos, evidentemente existe un dote compositor e instrumentista . Sus sonidos de guitarra muestran una tremenda variedad e inventiva y se llevan a cabo con mucha confianza. Muy rara vez se recurre al temido rasgueo sin sustancia, todo el sonido esta acompañado de una melodia completa, una señal inequívoca de la esclerosis creativa. Las guitarras están diseñadas, realizadas y se mezclan muy bien, con un tono muy cálido y natural que apoya firmemente las voces armonizadas. "Freak" es de esas canciones que te van entrando como un cuchillo lentamente mientras te va viscerando, toda una cancion que hace los mejores honores a la depresión musical.
A pesar de todo el medio-acústico que se emplea en el disco, las canciones son variadas, y a menudo son muy emocionales "What's Left For Me?" y constantemente interesantes y no dejan indiferente "The Town Down". Quizá para mucha gente el álbum peque de inconsistencia, para mi no, en cambio si debo de decir que abusan demasiado de la formula folk-grunge y hace que sea demasiado repetitivo todo el sonido, como intentando copiarse una canción de otra. Si lo que buscas es un sonido acústico y diferente, no estaría nada mal una escucha profunda.

Puntuación *7/10

Sergio Verdiell

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The Pains of Being Pure At Heart - "DAYS OF ABANDON"

 THE PAINS OF BEING PURE AT HEART

"DAYS OF ABANDON"

Fierce Panda

2014 

Si hay una cualidad reconocible en Kip Berman no es otra que su excesiva sensibilidad, nota de esto fue el brillante segundo álbum "Belong" que enarboló el shoegaze melódico y conmovedor.
Después de convertirse casi en sinónimo de la nueva escuela de noise-pop\shoegaze con sus dos primeros álbumes, "Days of Abandon" sigue siendo agradable, suave y es difícil no entusiasmarse con la escucha, de eso no cabe duda, sin embargo, por sus exploraciones ocasionales en la letra y en la instrumentación parece que nos encontramos con cierto acomodamiento, algo muy significativo en bandas que han encontrado la formula del éxito, y es que la impresión que me ha dado el disco es la de haber puesto a un lado ese shoegaze ruidoso y destructivo de The Jesus And Mary Chain de los años 90 que se disfrutó del primer álbum, para plagiar felizmente a sus mayores en lugar de innovar. Llegados a este punto y me refiero a los 2 albumes anteriores, uno no hubiera pensado nunca que esta banda pasaría por problemas de identidad. Espero que el cambio de formación y el elenco de colaboradores que apoyan al frontman Kip Berman sea el reajuste de algo fantástico que pueda venir en un futuro.
Pero el estilo no lo es todo, el mayor logro de Berman en este tercer LP, es haber logrado mostrar una excelencia melódica bastante sorprendente. "Days of Abandon" es incorporado en los altares de este estado anímico, "Simple and Sure", "Beautiful You" y "Eurídice" son autenticas armonias melódicas que juegan con nuestra nostalgia como quieren, hay que decir que el encanto y la nostalgia fueron precisamente los rasgos más entrañables e identificables de su apelación como marca indie-pop, hasta "Until The Sun Explodes" realiza sin defectos su cometido al ser uno de los temas mas "rockeros". Bellos coros y un sin fin de melodías pegadizas son el plato fuerte. Las guitarras vuelven a ser sabias, mientras la voz de Berman es un poco más firme y prometedora. "Kelly" cuenta con Jen Goma de "A Sunny Day in Glasgow" en la voz principal, combinando un giro vocal de lo mas azucarado entre guitarras dulces.
En algunos casos, hay canciones que pueden parecer como si estuvieran refinadas hasta el punto de que se convierten en clínicas y estériles, el intercambio de apelación visceral que existe en  "Eurídice" a la sofisticación de "Masokisse" da pérdida de eufória y ritmo al álbum, en mi modesta opinion es como una jarra de agua fría. Lo mismo ocurre con el exceso deliberado de "Coral and Gold", que sin desmerecer la canción, contiene una atmósfera lenta y demasiado larga para agarrarnos y mantener su atención. En última instancia "The Asp In My Chest" es otra maravilla y una acertada forma de concluir el álbum.
The Pains of Being Pure At Heart están tratando de asentarse en un nuevo sentido de lo que es como banda, ya sea debido a que Kip Berman continúa buscando en su voz y las composiciones el nuevo camino, lo malo y mas reseñable de todo el álbum es que a veces destacan más las influencias de lo que una vez lo fueron. Berman tiende a caer de nuevo en los tonos y acentos reciclados (Smashing Pumpkins, The Cure, My Bloody Valentine) cuando está debería haber sido su obra más ambiciosa, en otras palabras , la ironía se ha convertido en un mundo mejor, el compositor más astuto se ha convertido en menos original. Ese es el resultado sorprendente de "Days of Abandon", teniendo en cuenta que tenían más de una identidad definida antes de que el nuevo álbum saliera a la venta.

Puntuación *7/10

Sergio Verdiell

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Mike Patton - "MONDO CANE"

 MIKE PATTON

"MONDO CANE"

Ipecac Recordings

2010

Después de tres años de espera, Mondo Cane, con el "nuevo" Mike Patton, finalmente dio una fecha de lanzamiento. Fué el 4 de mayo con su Ipecac, el sello fundado por Patton y que cuenta con un catálogo lleno de sus creaciones. El álbum debería haber sido puesto en libertad mucho antes, pero fue retrasado por los diversos proyectos del señor Patton, coincidiendo sobretodo con la reunión de Faith No More...
Cuando Patton anuncia un nuevo álbum, la mitad del tiempo tendemos a comprar cajas de aspirinas. Pero con Mondo Cane, amantes de Fantômas y otras festividades experimentales de John Zorn, fueron desestabilizados.
Con Mondo Cane, Mike Patton vuelve a visitar los estándares italianos de los años 50 y 60. Junto a él encontramos Daniele Lupi, Roy Paci en trompeta y un gran grupo (guitarra, bajo, diversa y variada percusión, mandolina, teclados de todo tipo, etc ...). Los inicios de Mondo Cane se hicieron en Italia, en mayo y junio de 2007. Para la ocasión, la banda estuvo acompañada por una orquesta italiana. Y 2008 no fue diferente en los Países Bajos, junto con la Orquesta Metropole. Ah sí, porque si no hubiéramos especificado, las piezas Mondo Cane están hechas para ser tocadas con una orquesta.
Si, los EE.UU es fiel a las melodías originales, pero es obvio que Mike no puede dejar de hacer un toque personal en todas sus composiciones, y eso es lo que hace el encanto del proyecto. Patton introdujo "puentes" o como se quiera decir en las canciones, como en la la ruidosa "Che Notte" Estirando las pistas a su antojo, sino véase el organo estridente de "Il Cielo in una Stanza", que abre el disco o la reescritura de la intro de "Quello che conta" que da a la canción un borde más duro, épico y dramático a la vez. Obviamente, el álbum dispone todo un trabajo de voz como es de costumbre (modulaciones, gritos, pasajes hablados), quien no lo sepa estamos hablamos de Mike "God" Patton. "Urlo Negro" es la joya del álbum a lo que podriamos decir como explosión de sonido. Mike Patton vuelve a ser Mike, con esa tendencia de cantar en forma de bramidos. La versión aunque es sobrealimentada da al mismo tiempo un aire de fidelidad a la original.
Mike Patton restableció las canciones en una dinámica más contemporánea, pero siempre con un encanto deliciosamente retro. Patton siempre le ha gustado demostrar que es un crooner muy convincente, pero eso ya lo sabía (I Started a Joke y This guy is in Love con Faith No More, el álbum de Lovage o el que puso colaboración con Dan The Automator) y es que por lo visto no puede controlar esa tendencia a la gomina y al canto profundo.

Puntuación *9/10

Sergio Verdiell

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Green River - "COME ON DOWN"

 GREEN RIVER

"COME ON DOWN"

Homestead Records

1985

La eterna guerra dialéctica a la hora de decidir cual es la primera banda "Grunge" me sobrepasa los limites de todo entendimiento, creo que después de tantos años de escucha podría sacar una especie de clinic sobre el sonido de Seattle y aún así no llegaría a ninguna conclusión. Es verdad que ellos son considerados uno de los padres fundadores de lo que vendría con la explosión de dicho genero y del sello Subpop, pero uno no puede quedarse simplemente con eso, porque lo que es el sonido y las influencias son "In saecula saeculorum" (Recordáis a The Melvins? también merecen tal título). Llegado a este punto si alguien me ilumina sabiendo que primer grupo fundo el movimiento\estilo Grunge, que me desvele también el enigma universal si nació antes el huevo o la gallina.

El nombre de Green River fue el seudónimo de un famoso "asesino en serie" y no de un rio verde de la zona como siempre había creído. La banda se formó en Seattle en 1983 por el vocalista Mark Arm, quien recogió a los supervivientes de Deranged Diction ( un grupo de Montana que cae en la capital del Noroeste). La enfática forma de cantar de Arm, mas el juego de guitarra de blues de Steve Turner y Stone Gossard, con las cadencias rítmicas como si fuera el fin del mundo de Alex Vincent (batería) y Jeff Ament ( bajo) hacían un entresijo de sonidos basados en el hard rock de los años 70.

Tras el single "Together They'll Never",  una canción psicodélica con un ritmo muy cadencioso, el primer EP pasó totalmente  desapercibido. Con el álbum "Come On Down"  empezó a fraguarse el contenido de todo el germen de lo que fué el grunge. Nos encontramos con un sonido basado en premoniciones oscuras del inframundo del estilo de Black Sabbat "New God", lanzandose largos paseos sonoros y vocales que también hacían un efecto recordatorio a Blue Oyster Cult con "Tunnel Of Love", o pidiendo prestado el sonido de los Stooges con "Corner Of My Eye". El himno épico y marcial de "Swallow My Pride", juega con los tonos perversos de garage-rock, y es también el manifiesto de la filosofía nihilista, indiferente y sexista. Herederos dignos de Iggy Pop, en este registro los instintos salvajes de Green River entran de lleno a todo ese desprecio de la generación "X" de los convenios sociales, los valores morales, las ideologías políticas, y de la vida burguesa de la clase alta. Sobretodo también hay que destacar la GRANDISMA canción y fijaros que lo pongo en letras mayúsculas porque para mi es una autentica cancion en lo que denominados como canción Grunge, es titulada como el álbum "Come On Down". Misteriosa, lenta, densa y realizada para invitarnos a un mundo de lo mas siniestro con una guitarra perturbada y mezclada entre sollozos y quejidos.

En 1988, sacaron "Rehab Doll", quizás su mejor trabajo, un sonido enérgico, fuerte y estridente . Las evoluciones psicóticas quedaron plasmadas para siempre, la tortura lenta y solemne de la canción principal "Forever Means" seria un autentico Hit hoy en día. La disolución oficial tuvo lugar el día de Halloween de 1987. Mientras Gossard y Ament dieron vida a Mother Love Bone, y Mark Arm y Steve Turner formaron antes de Mudhoney un proyecto llamado Thrown-Ups, donde dieron vida a tres EPs. Para ser honestos, si las personas fueran discos, este álbum sería el tipo de persona que va de camino al infierno.

Green River fue la era de un fin en un sentido catártico para el movimiento grunge. De sus cenizas fue el hecho del comienzo de la saga de Seattle. Quizá Green River no fueron los padres del Grunge pero si fué el grupo que lanzó el fenómeno Subpop, de eso no cabe duda. "C'MON DOWN TO GREEN RIVER..."

Puntuación *8/10

Sergio Verdiell

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Tindersticks - "TINDERSTICKS"

 TINDERSTICKS

"TINDERSTICKS"

This Way Up

1993 

Antes de ser infiel con alguien piensa lo que vas a cambiar en tu vida. Días, tardes y noches enteras por algo que no sabes como puede terminar, supongo que en la música ocurre algo parecido cuando cambias cierta música por otras, cuando todo ha pasado es cuando te das cuenta porque no le prestantes la atención que se merecía y te arrepientes de no haberlo vivido en el momento que tocaba hacerlo, al menos en la música siempre puedes remediarlo ya que a diferencia del resto de los mortales es intemporal. Primer álbum y el primer golpe fuerte de autoridad. A pesar de una distribución bastante confidencial al principio, el álbum se nota de inmediato por una originalidad ambiciosa sobre una mezcla de veintidós canciones que raspan un pop cuidadosamente orquestado y variado, con reminiscencias de arreglos de los años '60, mientras todo se envuelve de una atmósfera melancólica, y a veces francamente espeluznante, e interpretadas por una voz cuyo sello especial se convertirá rápidamente reconocible.El álbum tuvo el reconocimiento a la crítica, el "Melody Maker" semanario británico, lo incluyó en su "Álbum del Año". Después de un brillante primer álbum por un grupo desconocido, se apresuró a preguntar si los autores tenían suficiente inspiración para continuar en la misma línea y la verdad es que con el Tindersticks II la banda no decepcionó en absoluto, una copia del primero eso si, fue como un copiar y pegar de la primera entrega, un álbum que se publicaría dos años más tarde .
"Nectar" está cantada en una voz baja y distintiva donde se repican las guitarras. Eso no significa que suene despectivo. Tindersticks no son un grupo que hagan demasiadas cosas obvias a través de este álbum. Salió de la nada, con pocos precedentes. Y es que si uno echa la memoria atrás se da cuenta que nadie más sonaba como este en 1993. Se supone que para los fans de Nick Cave también sonaba parecido o igual que Tindersticks. Pero, esto fue 1993, ¿recuerdas el Rock Alternativo? Nick seguía siendo feroz, fuerte y demoníaco. El hecho es que para la gran mayoría de los fans de Nick Cave también les gusta Tindersticks, asi que alguna similitud deben tener :)  En otras ocasiones se pasa de la calma al ruido con la sorprendente "Tyed". "Whiskey And Water" abre con un violín mezclado con guitarras y un bajo retumbante. La lenta belleza que es "Blood" sigue por igual. Las voces aquí sin duda tirarán de tú corazón. Podemos decir que a lo largo del álbum hay pocos momentos de variedad, quizás uno de esos momentos sea con "City Sickness" que suena casi como una canción pop! Sí señor, buenisimo tema. Las letras son como de oro para esas tramas románticas de ánimo deprimido. Un bajo melódico oculta debajo de esas partes entre la voz y la música, empujando hacia delante el ritmo que está destinado a un desenlace poco alegre. Otra gran canción con guitarras melodiosas es "Patchwork". Es verdaderamente estupenda, incluso cuando existe la parada de cambio de canción a "Marbles" suena deliciosa. Una compañía de órganos se repite a través de la canción. La guitarra aquí suena diferente y es totalmente cautivadora a través de ella. Stuart dice que es una bella historia poética (y no le falta razón), medio cantando y medio hablando. Es lo-fi, y está completamente adaptada a serlo. La estrofa donde susurra literalmente me mata "You knew you'd lost as soon as you saw her, you saw your life as a series of complicated dance steps.....' and then? Preciosa, suave y tierna. Como un amante soplando suavemente a su amada en el oído con delicadeza y pasión."The Walt Blues" contiene una extraña belleza, dividida en fragmentos de un ambiente entre maquiavélico y armonioso. "Milky Teeth"  es la pieza más rockera, guitarras fuertes y un violín crean disonancia. "Jism" se basa en una línea de bajo mantenido para ser escuchado a través de su longitud de seis minutos. El órgano nuevamente es encantador, Stuart saca sonidos adecuadamente misteriosos. Otra maravilla, otra canción que hace preguntarte  ¿cómo hacen esto? . "Song Piano" contiene una maravillosa línea de apertura, y se desliza sobre una guitarra muy dulce y romántica." Tie-Dye" tiene un título que puede o no sugerir una versión diferente de "Tyed" pero no sugiere eso. Y llega la hora de " Raindrops" posiblemente es la canción más bella de todo el álbum, y también una de las canciones más tristes que he escuchado. Y, he oído a Morrissey y a Ian Curtis! He escuchado a tantos cantautores que desprendian dolor que ese estado de animo a calado muy hondo en mi. Nick Drake, Nick Cave, Jeff Buckley, Damien Rice, Anthony Hegarty, etc... Las canciones tristes a menudo son como flashbacks de nuestro pasado. A veces me pregunto si ¿Tiene que ser "triste" o " depresiva" una cancion para ser disfrutada en plenitud? Por supuesto que no, pero no quita de hacerla mas profunda.

El álbum contiene piezas de piano verdaderamente hermosas, la música está tan bien construida y organizada que no parece para nada un disco de los años '90. Las letras son fabulosas, cualquiera puede sentir las emociones que provocan. Serás llevado a las lágrimas de la mas profunda tristeza y alegría, a través de una serie de canciones de cinco y seis minutos. Sólo el sonido de la música, la voz , la combinación de instrumentos hacen que estemos delante de otro disco casi perfecto. Puede que no sea para todo el mundo , pero podría ser para todos. Es una hermosa pieza de arte.

Puntuación *9/10

 

Sergio Verdiell

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