Reseña: Edward Sharpe and the Magnetic Zeros - "UP FROM BELOW"

 EDWARD SHARPE AND THE MAGNETIC ZEROS

"UP FROM BELOW"

Vagrant Records

2009

Siempre he creído que si hubiera vivido los años 60 en San Francisco hubiera acabado siendo hippie y fumando porros como un descosido (por cierto, creo que ya lo dije en otra reseña y me parece que me repito), aunque seamos sinceros, el movimiento hippie siempre me ha llamado la atención mas que nada por su música y la estética que por sus ideales, ya que a mi eso de tener que ir ropas cómodas me parece bien, pero eso de tener que vivir en una comuna se me hubiera hecho algo tedioso, con mujeres semi desnudas quizás no tanto, pero eso de ver a un tío con el pinganillo al aire como que no!! (¿momento machista?, acepto todas las criticas jajaja), En fin, como siempre me ocurre me ando por los cerros de Úbeda. 

Hoy os hablo de una banda que es difícil de catalogar, está entre algún subgénero del folk, indie o rock ya no se muy bien el estilo con tanta etiqueta, el caso es que tienen una pinta de hippies que os harán caer de culo. Pero como buenos hippies que parecen, lo de convivir en una comuna lo han traspasado a la música (desconozco si también viven apelotonados, imagino que no) pero eso de obtener una docena de músicos, e inventar un personaje mesiánico destinado a salvar el mundo y conducirlos a través de la trascendencia de la música, con unas arapos sucios de color blanco y enviarlos a dar un paseo en el desierto californiano lo llevan muy bien con su filosofía. El resultado es "Up From Below", y es como volver al pasado. Como el mismo tiempo en que Ang Lee nos hablaba de música en el documental "Taking Woodstock" a través de imágenes, Ebert y compañía nos dan imágenes en la música, casi como instantáneas desde el '69. Y muy flower power.
"Up From Below" es un álbum evocador, y gran culpa de eso es cuando nos dejamos llevar cuando lo escuchamos y vamos atrás en el tiempo, concretamente más o menos 40 años. Edward Sharpe and the Magnetic Zeros tienen un pasado importante del cual sus influencias beben claramente de Mamas and the Papas, de la psicodelia y del folk-rock que es la mejor tradición americana. Aunque mas que un pasado incómodo con el que comparar serían como haber hecho el gesto de sacar un conejo de la chistera en un conjunto de emociones que van desde la alegría por estar vivos "Janglin" a las sombras oscuras de "Desert Song" y "Black Water". La mejor canción que condensa todo el álbum es definitivamente "Home", un verdadero ataque a la nostalgia, un himno al neo-hippie cuyo video es tan genial que vuelve a Sharpe & co. contraluz en un baile.
Debemos decir que Ebert es un músico posmoderno, y en verdad es sólo un músico que se siente firme partidario de la utopía. Probablemente es una utopía "Up From Below" y su renacimiento hippie. Pero es una hermosa utopía. Al menos mientras dura la música. La Paz y el amor, dan la bienvenida al pasado.

 

Puntuación *7/10

SERGIO VERDIELL

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Reseña: Orange Broek LP (2014)

 ORANGE BROEK

MandarinaEstudi 

2014 

En su mayor parte, la música electrónica se divide en dos grupos: la música, donde hay mucho que escuchar y poco que sentir, y la música de baile de ritmo rápido donde hay menos que escuchar y mucho menos que sentir. Podríamos decir que Pere Jurado, responsable de este proyecto synthpop llamado Orange Broek, no encaja realmente en ninguno de los grupos dichos anteriormente; no es una electrónica al uso por así decirlo, el atractivo de Orange Broek está en la reminiscencia de sonidos que recuerdan la década de los ochenta cuando imaginábamos cuando eramos niños como seria nuestro futuro, creado todo a base de un mundo de música electrónica y robots, permitiéndonos ser sumergidos en la sensación de sonidos informáticos generados por sintetizadores.
A medida que el LP comienza, es difícil no dejarse llevar y querer perderse en este laberinto inexorablemente electrónico y de voces aterciopeladas. "Nueva Vida" es como la presentación ante el nuevo proyecto, habla de amor, de oportunidades y sobretodo de esperanza, la letra aunque ha sido compuesta por Aitor Morata, estoy seguro que ha sido escrita a través de los ojos y las experiencias del punto de vista de Pere Jurado hacía lo que va a ser para él una nueva vida con Orange Broek, todo en la voz de Pere que nos arrulla y nos hace vivir y ser cómplices de este sueño. "Despertar" nos transporta en gran tamaño al sonido natural del disco con latidos electrónicos, y una letra indie llena de suavidad que roza por momentos el chill out. Las canciones que preceden son como una cadena densa de pulsos de magma y palpitaciones, las emociones pueden ser transformadas en viajes de baile y ritmos tecno que juegan con nuestra mente, capaces de evocar emociones típicas como cuando descubres que estas delante de algo maravilloso. "Absurdo" es un feat por parte de Elena Jurado, y añade ese hyper creativismo en el uso de herramientas electrónicas mezcladas con voces apacibles que no sólo proporcionan los ritmos rápidos y bits por segundos en las pistas de baile, aquí también se añaden patrones armónicos en un continuo desarrollo de invenciones lisérgicas, siendo el resultado de una mente brillante.

Canciones que hacen voltear tu cabeza sin ser predecibles en ningún momento, siempre en constante evolución y variedad (Instrumentales, letras en castellano, catalán, todo conjuntado en una compleja y perfecta armonía). El principio de "Un Salt" es como entrar en el ojo del huracán con los casi cinco minutos en que esta pequeña obra maestra se adueña de un verdadero banco de sonidos y ritmos. "Coco Chanel" es la combinación perfecta entre la electrónica y el elemento humano de la voz de Pere Jurado, un ritmo de desarmonía y desavenencias, hacen que la letra y la melodía sea bastante mas pausada y pop que las demás canciones, el mérito lo tiene la incursión del violoncelista de la Orquesta Sinfónica de Barcelona, Jean Baptiste Teixer. "Vida Inteligente, parte 1" y "Vida Inteligente, parte 2" dan el momento de quietud, justamente al final del álbum, donde emerge el lado más melódico y soñador. En última instancia podríamos decir que desde los sonidos electrónicos también se puede hacer pura poesía para tus oídos, y es con estas dos partes en que la que la atmósfera sosegada y envolvente se consigue recrear, haciéndonos viajar la mente de forma paralela a otras dimensiones.
Hacer música significa ser capaz de medir muchos elementos en el caldero y poder renovarlos de vez en cuando. En este episodio hemos sido testigos de este ejemplo, una música más bailable que su anterior EP "Soroll" y ciertamente mucho mas exigente. Un recorrido espectacular que termina con un viaje de inteligencia, sabiduría y cultura en la música, ¿quién da mas?

 
Acaban de publicar el álbum en formato digital en el que lo podéis encontrar en varios sitios: (bandcamp, spotify, deezer)  

Puntuación *9/10

SERGIO VERDIELL

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Reseña: The Birthday Massacre - "WALKING WITH STRANGERS"

 The Birthday Massacre

"WALKING WITH STRANGERS"

Metropolis Records

2007

Si hay que nombrar una banda heredera de la estética de Tim Burton, no es otra que The Birthday Massacre, sus vídeos, la portada de sus discos, la música, todo hace recordar al director de Pesadilla antes de Navidad y La Novia Cadaver. Es verdad que yo tuve una época muy fan del señor Tim Burton, pero también es verdad que lo fui por culpa del arrastre de una chica, es curioso como el mundo de Burton despierta tantas pasiones en el sexo femenino, en serio, la cantidad de fans que alberga es increible, solo hay que ir un día algún garito gótico para darse cuenta de la cantidad de merchandising que existe y adorna una cantidad considerable de chicas amantes de la oscuridad, pero bueno, como diría alguien que conozco eso ya es harina de otro costal. Mejor me meto en el disco de hoy que es bastante sorprendente.

El álbum esta a medio camino entre un sueño de hadas y un sueño onírico de Tim Burton, para quienes no los conozcan es una banda canadiense, y este es su tercer tercer disco, con una bonita damisela detrás del micrófono, que es la culpable de propinar la sopa de metal gótico en una salsa de un corte mas clásico, mucho mas ochentero y atractivo, a mi la voz me recuerda a veces a Sandra y otras a Brian Molko, ¿recordais esa cantante que se hizo famosa por allá a finales de los 80 con la canción "María Magdalena"? que por cierto, acabo casandose con el tío de la banda Enigma, (¿dato curioso?). Muchos quizás les suenen a la enésima copia de los distintivos Evanescence y/o Nightwish, yo mas bien los veo como una vuelta de tuerca a ese estilo ya exprimido y por lo tanto mucho mas interesantes francamente...la voz ya no es un clónico de voz femenina que intenta desprender el dolor de un alma atormentada, es mas bien dulce y sobretodo mucho mas pegadiza.
Lo que nos encontramos en este disco de tonos fucsia púrpura es un cambio de sonido que combinan hábilmente las armonías de guitarra de rock gótico a ritmos bailables de molde industrial y synthpop, envolviendo todo el asunto en una pátina de nueva oscuridad, por encima del cual se destaca la voz sensual y etérea de la vocalista Chibi, una especie de Alicia en el País de las Maravillas dentro del mundo de Pesadilla antes de Navidad.
Musicalmente hablando, si no eres un fan de las bandas mencionadas anteriormente entenderás de lo que estoy hablando, de lo contrario el consejo que te puedo dar es que te apresures a escuchar canciones como "Kill the Lights" o "Falling Down" Walking with Strangers, tiene un registro como de película mas allá de las apariencias de adolescentes que intenta dar la música, pero este trabajo es absolutamente recomendable, no sólo por su variedad de estilos, sino también por su frescura y el impacto sinfónico, agresivo y adictivo y lo confirman estas 12 gemas de synthrock que arrebatan una amarga sonrisa digna del mejor Jack Skellington.

Puntuación *7,5/10

SERGIO VERDIELL

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Reseña: The Delta Saints - "A BIRD CALLED ANGOLA" [EP]

 THE DELTA SAINTS

"A BIRD CALLED ANGOLA" [EP]
The Delta Saints Self-released  
2010

Según como lo escuches y en que momento del día lo hagas, el álbum de The Delta Saints es como un viaje en tren a través del gran pantanoso sur de los Estados Unidos. Inmediatamente después de la primera toma con el baterista Ben Azzi y la guitarra de Dylan Fitch el tren te sacude con la ayuda desenfrenada de la armónica de Greg Hommert en una estación llamada Blues. Ben Ringel saca inmediatamente su agrietada voz cuando David Supica lanza su bajo contra él en A Bird Called Angola. Ben Ringel no sólo es un excelente cantante sino que a veces recuerda a cantantes de la talla de Johnny Winter o de Allman Brothers, gente de una calidad innata pero de demasiado control para ser imitados. El sonido que hay en Momma hace reducir la velocidad del tren nada más sonar el llanto de Hommert con su armónica y la atmósfera sureña que le abunda. Luego hay otro carbón para ser arrojado al fuego con la pala y no es otro tema que Voodoo Walk, aumentando la velocidad de nuevo. Callin 'Me Home es una canción sensual en la que Ben Ringel grita con sus pulmones por enésima vez a su vida y en Swamp Groove.  

Después de llegar a la terminal de "Bird Called Angola", uno se acuerda de la teoría de la evolución de Charles Darwin y no es otra que la de: "el fuerte resistirá la prueba del tiempo". The Delta Saints  representan la evolución de la música blues. El álbum es un homenaje a los grandes bluesmen del pasado, y también representa la continua evolución del género de blues a traves de este siglo 21.
El Blues está aquí para quedarse, y si grupos como The Delta Saints deciden seguir tocando, vamos a tener un gran porvenir durante años y años.

 

Puntuación *9/10

SERGIO VERDIELL

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Reseña: Hootie And The Blowfish - "CRACKED REAR VIEW"

 HOOTIE AND THE BLOWFISH
"CRACKED REAR VIEW"

Atlantic Records

1994 

1994 es recordado por dos principales eventos ocurridos en la historia de la música: la muerte de Kurt Cobain y la salida en venta de "Dookie" de Green Day. Veinte más tarde, tendemos a recordar a aquello y a olvidarse de Hootie And The Blowfish y de su disco mas famoso "Cracked Rear View". Para todos aquellos que estuvieron por esa epoca saben lo maravillosa que fue la música en todas sus corrientes, y probablemente se recuerde lo grande que fue el álbum. Se llegó a vender 16 millones de copias en los Estados Unidos y fue el álbum más vendido de 1994; superando incluso en ventas a "Dookie" por un buen margen de 6 millones de copias.
La pregunta seria porque nadie se acuerda de ellos? ¿Eran Hootie and the Blowfish realmente tan buenos? Bueno, sí y no. Sí, estaban bien en 1994. No, no son tan buenos ahora. Para entender su popularidad, tenemos que volver veinte años atras en los maravillosos noventa. Ya en el 94, cuando el grunge estaba en la cresta de la ola y el pop-punk se estaba volviendo más y más popular, Hootie hizo un llamamiento a esos amantes de la música de más edad y que pensaban que el punk y el grunge tan solo era ruido ininteligible. Mientras que Green Day tuvieron canciones rápidas y divertidas para esos jóvenes que se habian cansado del grunge, Hootie intentaron escribir algo más lento, pero con mas esencia de rock, ya sabemos que a menudo las canciones acústicas son para personas que se vuelve loca con la musica y la sabe saborear mucho mas. Con poco cliché, letras llenas de savia y la suave voz de Darius Rucker, Hootie encontraron su lugar en la historia de la música.
"Hold My Hand" fue el primer single, y encontró el camino en el top ten, me gusta mucho la voz de Darius es suave como la mantequilla, pero un poco áspera de vez en cuando. Las primeras veces que escuché de Hootie, pensé que era un tipo blanco, y me quedé muy sorprendido cuando vi una foto de ellos. Pero de todos modos, la canción avanza con letras suaves, a continuación, viene un solo de guitarra! No es técnicamente brillante ni nada, pero ¿qué se puede esperar de Hootie? Se ajusta a la canción, que es más importante que la velocidad cegadora y del tecnicismo. La canción termina como empezó, con un poco de rasgueo acústico y Darius diciendo "I wanna love you the best that I can."

"Let Her Cry" fue el segundo single, y fue inclusivo más popular que "Hold My Hand", aunque no alcanzó el número 1. Tengo que decir que es mi canción favorita del álbum. La letra es cursi no se puede dudar, (como la mayoría de las canciones del álbum), pero se suma al valor emocional y la  hace bastante buena. La voz esta a caballo entre Eddie Vedder y Michael Stipe.

Podria reseñar "Time" aunque no es una de mis preferidas, pero igualmente es bastante buena. La voz de Darius me vuelvea recordar a Michael Stipe de REM, lo cual es bueno porque me gusta mucho la voz de Stipe. Las letras hablan de los efectos negativos que el tiempo tiene sobre la gente, y por una vez las letras no tienen ese caliz de ñoñeria. Lamentablemente, "Cracked Rear View" no tiene mucho más que ofrecer además de los singles. "Running from an Angel" tiene una muy buena introducción, pero la canción se resiente cuando Darius empieza a cantar. En realidad no pronuncia las palabras totalmente, y no se puede entender bastante lo que está diciendo, y me parece muy molesto. "Not Even the Trees" comienza muy aburrida y nunca se recupera. "Sometimes I Feel" es el tipo de relleno que ningún álbum debería de tener.
En general, "Cracked Rear View" no tiene termino medio, los singles son enormes, pero el relleno flojea mucho.

Puntuación *7/10

SERGIO VERDIELL 

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The New Division - "TOGETHER WE SHINE"

 THE NEW DIVISION

"TOGETHER WE SHINE"

Division 87 Records

2014

Siempre he pensado que el aburrimiento es lo que queda de los pensamientos cuando las pasiones son eliminadas de ellos. A veces pienso que si escucho tanta música es por eso, por mi falta de pasión generalizada, siempre en la búsqueda de nuevas emociones para poder encontrar ese eslabón perdido llamado "chispa de la vida". No se a que viene todo esto, pero me a venido de perlas para hablar de lo nuevo de The New Division, ya que parece que cada vez estoy mas inmerso en el Synthpop, simplemente porque parece que me levanta mas el ánimo que otras cosas que escucho. Aunque no es la primera vez que aquí en La Silla Enfadada hacemos referencia al sonido Synth, es mas, creo que últimamente es de lo que mas cuelgo y comento en nuestra página de Facebook (por cierto, se agradecería un me gusta para la causa) "La Silla Enfadada".

Ya en 2011, The New Division lanzó su álbum debut "Shadows", un álbum de música electrónica que sonaba terriblemente europeo, algo difícil de creer porque en realidad ellos son de California. Las melodías que usan definitivamente me tocan la fibra sensible con su mezcla de ingredientes, en su mayoría tomadas de la electrónica clásica. Ya sabemos que a día de hoy este estilo entre lo retro y lo electrónico está de bonanza, aunque "Shadows" no era tan bueno como quería hacernos ver, era como para hacernos creer que era la bomba, pero habían muchas canciones de relleno con una producción más oscura que en este Together We Shine y un brillo al final del túnel que resplandecía de club. Sin embargo, siempre con esa aura y agresión melancólica y pasiva al acecho en el fondo, como una especie de amenaza encantadora que a mi simplemente me llego a atrapar como un tonto.
Lo nuevo "Together We Shine" se asemeja al debut bastante en la primera escucha, pero después de un par de repeticiones es obvio que hay una gran diferencia. La producción es mucho más pulida en esta ocasión, tampoco es que sea revolucionaria ni para tener una mejor experiencia en general. Las canciones son más suaves que en "Shadows" y no tan machaconas, esto hace que pierda algunas asperezas que dieron al sonido y hace cierto giro a canciones mejor compuestas. Por supuesto, el ambiente de club sigue estando presente en todo momento, pero ahora el aura indie de New Order ha sido reemplazado por algo mas del estilo de Cut And Copy y de Coldplay, bandas que también tienden a lavarse las canciones hasta hacerlas extremadamente limpias. En realidad la canción "Den Bosch" tiene una sección algo que recuerda a la de Coldplay "Viva La Vida".
The New Division nos han dado una colección de buenos temas pop, como por ejemplo, el primer single "Stockholm", pero por desgracia el álbum en su conjunto es demasiado monótono. Las partes del coro femenino están muy bien, pero flojea porque no existe ninguna tensión dinámica que lo mantenga.

Puntuación *7/10

SERGIO VERDIELL

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Spiritual Beggars - "AD ASTRA"

 SPIRITUAL BEGGARS

"AD ASTRA"

Music For Natios

2000

Después de varios días intentando sacar el trabajo que tenia atrasado en Muzikalia, me dispongo a comentar uno de esos álbumes desconocidos y que fue de gran impacto justo cuando empezó el nuevo milenio. A pesar que la portada parece el interior de cualquier tienda de incienso hippie. Spiritual Beggars son suecos y no son de ninguna manera gente cortés o gentil, ni tampoco desprenden olor a flores, ellos tienen alma de los 60s y 70s, pero del lado rudo y salvaje. Un momento en que la música se consideraba como un diseño y era realizada de forma libre y espontánea. Un momento en que se podía salir de casa desnudo y hacer el amor con la rubia buenorra que vivía al lado en el jardín sin tener que decir una palabra (yeah!). Lo siento, pero la imaginación me hace pensar estas cosas solo mirando la contraportada de Ad Astra. ¿Quién hubiera imaginado que Michael Amott de Carcass, se fuera para fundar una criatura con esta sonoridad? tan lejos del sonido de origen.  
Es difícil encontrar gente que escuche a ciertos artistas. Todo el mundo sabe que la mayor parte de la música actual en la industria de hoy en día no es la mejor que se puede encontrar. Por eso una de las bandas que no ha querido seguir la corriente y recibir mucha atención es Spiritual Beggars. Para quien no sepa la mayoría quienes son Spiritual Beggars, que sepan que es una banda de la rama de Arch Enemy, ambos comparten el mismo bajista, Sharlee D'Angelo, y el guitarrista, miembro fundador Michael Amott. La alineación para su cuarto álbum, Ad Astra (en latín que significa la frase "a las estrellas"), también contó con Per Wiberg (Opeth) voz piano, la armónica, y de refuerzo Christian Sjöstrand "Spice" en voz y bajo, y Ludwig Witt en la batería.
Estos suecos han estado aclamados por la crítica desde que salieron, siempre con la inspiración de Black Sabbath en sus álbumes de "stoner rock", haciendo de sus habilidades como composiciones y de sucesiva liberatad, como claramente lo demuestran aqui. En gran medida con el paso del tiempo, no han alterado su estilo ni han intentado adapartarse a una fórmula mas resultona y agradable para alcanzar un mayor éxito comercial. En lugar de ello, han centrado todos sus esfuerzos en el endurecimiento de sus composiciones y el perfeccionamiento de su ejecución, que por cierto es prácticamente impecable. Aquí la banda entrega 12 canciones de heavy metal, un racimo de riffs que suenan igual de pegadizos como potentes.
Suelen ser indiferentes con la perspectiva cuando te dispones a abrir nuevos caminos musicales, y ciertamente hay muy poco en Ad Astra que no se haya hecho antes de una u otra forma por un sin número de grupos que suenan similares (Graveyard, Kadavar). Sin embargo, este trío sobresalen claramente en la calidad de sus composiciones, y la verdad es que para todos los que amamos la herencia de Sabbath estamos muy huerfanos en ese aspecto, solo Kyuss fué capaz de mirar al destino de tú a tú en este genero.
Con una excelente cortesía en la producción, Ad Astra es un producto imprescindible para los fans de los fans de Black Sabbath, así como para cualquier persona con un mínimo de aprecio por la música espesa y con un toque decididamente retro.   

Puntuación *9/10

SERGIO VERDIELL

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