Andy Blueman - SEA TIDES (EP)

ANDY BLUEMAN

SEA TIDES (EP)

2009

Cuando eres un amante de la música y llegas a una cierta edad, es difícil no volver y escuchar las cosas que nos hacían vibrar. Por capricho del destino tuve que abandonar una buena etapa de mi vida  toda música hecha con guitarras y centrarme en la electrónica, ya se sabe cuando suena cierta música a uno le hace recordar demasiadas cosas, pero no hay mal que por bien no venga, así tuve la suerte y la oportunidad que descubrir tal genio. Esta vez no voy a hablar de rock, sino de electrónica pura y dura, no de chumba chumba ni Guettas, es música orquestal mezclada con sintetizadores algo tan creativo como original . Si digo música Trance todo el mundo sabrá de que hablo, pero si digo el Uplifting seguramente la cosa ahi ya cambia. Pues si, uplifting es un subgenero del Trance que resalta sobretodo las armonias orquestales, es emoción en su estado mas puro. Suena extraño verdad? pero es tan gratificante... No estoy bromeando cuando digo que mi mente vuela en este caso. Casi cada vez que escucho a Andy Blueman estoy sorprendido por lo bien suena esto. Olvídate de encontrar defectos o posibles críticas, lo que a mí respecta, es absolutamente impecable. La emoción golpea como un tren de carga. Normalmente no soy capaz de tener un buen oído para encontrar debilidades y capaz de averiguar lo que se hace y no funciona en este tipo de música, pero yo digo que lo olvides. Este EP es simplemente demasiado bueno para eso. Andrej Komatovic o mas bien como se le conoce "Andy Blueman" jamás habia tenido una educación musical, todo lo que realizaba era por pasión y como todo viene y se marcha en la vida él decidió abandonar la producción para centrarse en bandas sonoras de peliculas. Un ejemplo perfecto de increíble música como las 6 letras que compone dicha palabra. 

10

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Reseña: VAST - "MUSIC FOR PEOPLE"

 VAST

"MUSIC FOR PEOPLE"

Elektra

2000

Es imposible explicar con palabras aquello que no se puede expresar. Solo sé que he pedido muchos deseos a lo largo de mi vida. Tantos que no creo que pueda acordarme de todos. Algunos se cumplieron, otros en cambio han sido una maldición. Tambien dicen que es mejor retirarse y dejar un bonito recuerdo, que insistir y convertirse en una verdadera molestia o vivir en la mas absoluta tristeza, no se pierde lo que no tuviste, no se mantiene lo que no es tuyo y no puedes aferrarte a algo que no se quiere quedar. Si eres valiente para decir un adiós seras recompensado en la vida con algo nuevo. En la historia de la música hay tantos casos de injusticia como la vida misma, el caso que me viene a la mente es el de VAST, uno de los príncipes caídos de la música rock, cuya discografía es un reflejo de la indiferencia que sus medios. Es triste nombrar a dia de hoy a Jon Crosby para descubrir que es un autentico desconocido cuando debería ser una estrella de rock. Su música es asequible, abraza muchos estilos y es un compositor talentoso a parte de uno de esos genios como cantante, pero por otra parte, para ser exactos, Crosby ya fué una estrella. Eso fue en 1998. Luego arrojó un palo en las ruedas bajo el nombre VAST como una especie de experiencia mística. Mas de quince años han pasado desde que el golpe del maestro y del interés de la crítica pública se dieran a conocer. De hecho, en retrospectiva, parece claro que su carrera no puede ir mucho más allá de su primer y segundo álbum: eran demasiado grandes, demasiado ambiciosos, demasiado geniales, demasiado aclamados por un joven de veintidós años solamente. Un gran éxito que sin duda no es inocente en la estructura atípica de su viaje musical a partir de influencias de The Cure, Nirvana, Depeche Mode, U2.  La dirección Crosby entre estas dos primeras unidades es un buen elemento de entendimiento para toda su carrera. El desplazamiento del tiempo sugiere un hombre visiblemente orgulloso, atormentado en sus preguntas íntimas (sexualidad y religión) que entra en su cuenta en Music for People.  

El talento de Jon Crosby para escribir letras cae en el poder de la ira y la melancolía. En este "Music For People" es una declaración de amor con el corazón abierto a la melodía. Está impregnado de cada nota, aún más limpio y refinado que el debut. Musicalmente se entregan los sonidos más fuertes, en cambio las sugerencias industriales son menores. Sonidos más pulidos, las guitarras acústicas se hacen cargo, limitado sólo a una par de temas, y los tonos son generalmente mucho más positivos. No puede decirte que la ira haya dado paso a la alegría. Esto es evidente incluso en la única pieza que puede ser considerada con el debut del 98: "Free". La melodía es pura y delicada y es la protagonista absoluta del resto del álbum: Algunas canciones son inolvidables: "I Don't Have Anything" (atentos a su letra), "Blue", "A Better Place", "We Will Meet Again" o el cierre instrumental de tonos ambientales "Lady Of Dreams", todos los episodios que dejan su huella en el corazón de la escucha y no puede inducir una sensación de paz interior. Aquí emerge todo el amor de Crosby a los años 80: The Cure, Depeche Mode, U2, Joy Division etc. La elegancia formal y la intimidad de las melodías hacen de este trabajo un intento de lograr una forma de música popular como una alternativa.

Puntuación *8/10

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Reseña: Eels - "BEAUTIFUL FREAK"

 EELS

"BEAUTIFUL FREAK"

Dreamworks

1996 

Mal ritmo lleva el blog este año, una reseña por mes, desconozco si hay lectores asiduos pero siento de todo corazón la dejadez. Parece ser que la máxima de que el hombre no puede hacer dos cosas a la vez da en el clavo conmigo. Una etapa por la que estoy pasando de total desconocimiento emocional o mejor dicho como se suele decir coloquialmente estoy "descolocado". Normalmente la gente tiende a pensar siempre que "Cualquier tiempo pasado fue mejor", pero eso es solo porque se recuerda solo lo bueno y elimina lo malo de los recuerdos. Eso lo he pensando infinidad de veces, pero estoy convencido que dentro de un tiempo lo que vivo ahora será lo mejor que he vivido, aunque ahora ya me doy cuenta, solo es que la montaña de sucesos no me deja ver con perspectiva su totalidad. En fin, pues como decía Adele en la canción "Someone Like You"... A veces el amor dura, pero en otras duele.
Un fondo todo blanco, blanco sobre blanco como cualquier cosa que desprenda pureza, con una niña vestida de blanco con unos ojos muy grandes, demasiado grandes, tal vez no sea normal. Todavía me mira, pero no sonríe, en cambio me hace sonreír. No se, se le ve triste, no parece ser real o tal vez si, pero ella es probablemente lo más real dentro de lo que le han obligo a ser. En sus manos un girasol, pero está muerto y arrancado de la tierra... hasta lo mas delicado como una flor puede ser destruido por lo mas inocente que existe en la vida como un niño, en cambio una flor no se dobla en la lluvia, curioso. Todos somos fuertes y estamos preparados en el deber de nuestra naturaleza. Si un niño ve algo inusual, se acerca y trata de tocar lo que no entiende, incluso lo destruye si le gusta. Es sólo con la fuerza y ​​la perseverancia con aquellos interminables regaños de los padres sometidos a la presión de la sociedad que con el tiempo aprendemos a ocultar la atracción, una fuerza atávica y oscura que nos hace querer olvidar la esencia de lo que somos, en el interés de la diversidad, el arte de convertir la ignorancia en arte, para esconder el polvo bajo la alfombra. 
Muchos lo llaman masoquismo, yo no lo creo. Justo en este momento no puedo escuchar música alegre, la uso como un marcador en lugar de cubrir lo que hay debajo. Contiene un sentimiento abrumador escuchar este disco; la melodía rompe todo el tiempo, me gusta escucharla con los auriculares hasta que oscurezca, transformarla en un punto de mi vida, cada viaje comienza y termina con cada canción, dedicándola a los que me han abandonado y han venido, como un viaje que soñará entre las páginas de los libros que necesitan ser estudiados. Cual es la receta para un buen compositor? por suerte no existe, sería demasiado simple. Sin embargo, hay algunos ingredientes que no podemos prescindir: siempre he creído que la parte mas importante de un artista tiene que ser primero la sensibilidad incluso antes que la clase, una pizca de originalidad, y un toque de elegancia, todo ello aderezado con mucho talento, claro está.. Hay un hombre que encuentra con todos estos criterios y muchos más. Este hombre es el individuo de la cabeza de Eels, y que solemos llamar E.
Primer disco de este extraño personaje y sus acólitos, Beautiful Freak vio la creación de textos y melodías pop suntuosas, intensas y delicadas desde la sencillez y la humildad, parecen haber sido las consignas de este álbum. Teclados, guitarras, bajo y batería son lo suficientemente como para mantener el calor en el ambiente, íntimo, y a veces con la voz a flor de piel. Voz suave y tranquilizadora en un registro que le queda como un guante: pop cincelado y desprovisto de cualquier manierismo. Canciones suaves y calmantes como Beautiful Freak o Spunky, logran títulos casi pop-rock, o la grunge y burbujeante Rags To Rags. Un equilibrio que da fuerza al álbum,  además de la ineludible y soñadora Novocaine For The Soul. Letras que provienen como de otra vida de unos extraños personajes, pero basadas en la realidad, como la niña que está en la portada del álbum. Nunca es suficiente para deleitar los momentos fugaces de la vida diaria que se describen en un ángulo tan inusual por la pluma de E, que percibe definitivamente el mundo que le rodea de una manera que es sólo suya. Canciones personales, que revela la fragilidad del compositor, sin apartarse de una cierta modestia. Beautiful Freak alcanzó el ejemplo de los máximos emocionales  y revela el extraordinario talento de su compositor E. Un álbum profundo e introspectivo que rezuma verdad, sin caer en el patetismo o la vanidad. Una vez más, felicitaciones al Sr. Mark Oliver Everett. 

Puntuación *8/10

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Reseña: Massive Attack - MEZZANINE

 MASSIVE ATTACK 

MEZZANINE

Virgin

1998

Me viene como anillo al dedo hoy eso de que dicen que las personas que escuchan música todo el día o duermen mucho, intentan escapar de la realidad. Me pregunto cuantas veces habré escuchado este disco simplemente para escapar y sentir la sensación de evasión? Demasiadas para contabilizarlas y eso que yo no soy fan del grupo ni del estilo, pero este disco es un disco como pocos, no hay excusas si tienes otras preferencias, aqui se engloba la esencia y lo cotidiano como pocas veces, un disco que marca a fuego como esos abrazos que nunca se olvidan.

Massive Attack es el grupo de trip hop más conocido y reconocido, lo cual es normal, ya que han creado escuela con este estilo musical (O son Portishead?). En estos momentos en que los grupos carecen fuertemente de una inspiración y miran a lo que se ha hecho en el pasado para tratar de hacer la música actual (a menudo sin éxito), el trip hop es uno de los mejores resultados del mestizaje de estilos. Encontramos tanto el Dub, Reggae, Electro, Funk, Soul, Jazz... Si, esta mezcla es más que extraña, pero ya sabemos que todas las mezclas no son  lo mismo sin un minimo de sentido común, mezclar agua y aceite no da el mismo resultado que el Ron con Cocacola. El polimorfismo del grupo incluye los préstamos de los tres miembros de Bristol, los DJ Robert «3D » Del Naja, Andrew « Mushroom » Vowles et Grant « Daddy G » Marshall, está claro que tienen un don para componer música inspirada y variada con conocimientos para rodear músicos y cantantes de cualidad como Tricky, Horace Andy, Neneh Cherry o Elizabeth Fraser de Cocteau Twins. Parece que este álbum ofrece la contraparte del final del siglo pasado, revivió la popularidad del espiritismo y lo atractivo del diablo, de forma simbólica, claro está ;), lo sensual, atrayente y el desorden. Al igual que una adicción hacía lo carnal y la muerte, escuchar Mezzanine sin ser advertido en 1998 en la humedad del verano, era entrar en una lucha erótica contra un súcubo viscoso y orgánico en forma de voz femenina de suaves letanías, ese beso detrás de su cuello, en el borde del deseo, el miedo y la conciencia...

Mezzanine es el tercer trabajo del trío y también es el cambio a un disco más tranquilo y pacífico que las composiciones del pasado, siendo aquí más frías, oscuras y amenazadoras... Desde la primera  nota el oyente se introduce en una especie de trance, tenemos que admitir que la hipnótica Ángel inmediatamente da un color especial al resto del álbum con su canto el aire, sus bajos y lentos y lascivos latidos pesados ​​y guitarras distorsionadas ... entramos en otro universo. Imposible (incluso para un fanático del rock como yo) no entrar en un viaje para escuchar temas como Risingson, Inertia Creeps, Man Next Room, Teardrop y Black Milk. Son un estremecimiento ante la fragilidad, son como uno de los mejores sentimientos del mundo que puedes sentir cuando abrazas a la persona que amas, y ella te abraza aún más fuerte. Este álbum es realmente intenso, los estados de ánimo estan trabajados y tratan de transmitir una amplia gama de sensaciones casi táctiles. Pasamos una pieza tranquila a otro torturada con una cohesión impresionante. Aquí nos encontramos con una alternancia de voces masculinas y femeninas de lo mas agradables. Es interesante que a pesar de que inspiró exclusivamente a la música negra, el trío cambió el trip hop en este álbum mirando el lado de la música blanca (New Wave), ofreciendo nada menos que excelentes resultados. Las canciones de este álbum están diseñadas como una tira de película original y excita la imaginación del oyente. Sólo hay que decir que este disco puede llegar a ser la banda sonora de tú vida, ya que en muchas ocasiones puede atenerse a la vida de la persona que lo escucha, se transforma en esas canciones que recuerdan todo lo que uno a veces quiere olvidar. Este disco también es significativo para escuchar solamente (preferiblemente con auriculares para sentir plenamente la música) durante el acto sexual porque lo acompaña a la perfección. Mezzanine es una obra rica, apasionada, fria, seria, única... es una palabra indispensable como puede ser inteligente y sensual. 

Puntuación *10/10

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Lost Highway - Soundtrack

 LOST HIGHWAY 

Soundtrack

Interscope Records

1997

El gran problema es que los recuerdos que me marcan tiran raices hasta lo mas profundo de mi, hay infinidad de recuerdos, detalles y muchísimas cosas que me unen a ciertas personas y momentos que núnca olvidaré, nunca olvido a quien fue alguien en mi vida, aunque no fuera un amor eterno, ni de mis días, ni de mi momento, duele acordarse de esas cosas, pero en cambio pienso que duele mas no acordarse de nada. Creo que los que hemos sufrido tanto durante tantisimo tiempo, conservamos para siempre ese sabor salado en los labios estancados en ellos. Aunque las cosas vayan perfectas nos sigue la produccion incolora de un sufrimiento, de un dolor, de una impotencia y de una tristeza. Siempre recae una gran carga, se siente tan pesada pero cuando ruedan por el rostro son cálidas y delicadas. Con el tiempo se vuelven frías hasta sentir que se congelan sobre las mejillas aquellas que no son capaces de llegar a estancarse y reposar, una sensación profunda de un nudo sin desgarro... que quita el aliento, estruja y revuelve el estomago, detiene la circulación, niebla la vista y cierra tus ojos. Las cosas se han asentado, tranquilizado y estabilizado, y eso mismo quizás, hace que no exprese lo que siento todo lo que yo quisiera. El fantasma que desgarra canciones y desbarata futuras melodías dejándolas a la mitad está desapareciendo día a día. El que destripa cada acorde de la música de nuestra vida, el que no me deja escuchar nuestra banda sonora de la vida sin que haya lágrimas.  
Todo esto a que viene? Pues viene despues de haber escuchado una de mis bandas sonoras preferidas (Carretera Perdida) con lo que conlleva todo este rio de sensaciones. La primera vez que vi Lost Highway fue por la recomendación de una de esas personas que he comentado antes, de ahí mi adoración por este film y su banda sonora. Me arremetió un tiro en la cabeza su música. Lynch es un mago del diseño del sonido, por ejemplo él preparó las notas especiales en Mulholland Drive. Un poco como Kevin Shields y sus peticiones especiales para sus conciertos con My Bloody Valentine, un paralelismo bastante apto, ya que David Lynch es un ícono de la música, así como del cine. Sus influencias en el rock alternativo son claras y siempre la sombra de la perversión y atmósferas turbias como referentes. La mezcla de sonido de este trabajo fue realmente perfecto, o mejor dicho espeluznante. Desde los créditos de apertura, parte de una secuencia animada que podría aterrorizar a  David Fincher y toda la camarilla de directores actuales. En realidad, esta escena también es muy emocionante, porque en el fondo se escucha "I'm Deranged", una pieza de uno de mis héroes de todos los tiempos, David Bowie, en el que la línea de voz se casa con un ritmo krautrock y un oscuro piano. La pieza aparece de nuevo más tarde en la película, y es igualmente apropiada. Otro momento impresionante, musicalmente hablando, es cuando aparece "Song to the Siren" aunque no fue incluida en la banda sonora, es la versión de This Mortal Coil, una pieza que se mantuvo durante 101 semanas en las listas de éxitos. El amor de David Lynch está claramente inspirado en su atmósfera, una canción sexy, melancólica y misteriosa, añade a la perfección su imaginario de pesadilla. Los acordes iniciales, acuosos y etéreos, subrayados perfectamente en el momento en que Fred y su esposa (Patricia Arquette) tienen una discusión a la cama. El resto de la banda sonora es un híbrido entre el genio de Badalamenti y rock industrial de los noventa (Rammstein, Marilyn Manson, Nine Inch Nails), léase: Trent Reznor. De alguna manera, sin embargo, la suciedad de ese tipo de música, siempre es asociada con el trabajo visionario de David Lynch, hace que sea casi mística. En un contexto grotesco que raya lo kitsch, Lynch puso la música perfecta para una generación carente de ideales y completamente desestabilizada. Creo que no hace ni falta nombrar la archi famosa The Perfect Drug de NIN, verdad?
En resumen, David Lynch es un director muy atento a la dirección musical de sus películas, y Lost Highway es un audio-video híbrido sublime. Una película maravillosa, con una banda sonora a veces angustiante, pero, tal vez debido a esto es, perfecta. 

Puntuación *9,5/10 

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Reseña: Pixies - "DOOLITTLE"

 PIXIES

"DOOLITTLE"

4AD

1989 

Hay un aspecto de mi personalidad que, posiblemente más que cualquier otro aspecto, me hace ser quien soy. Me esfuerzo por encontrar el significado oculto, el significado más profundo, el verdadero significado de todo. Me atengo a la filosofía de todo lo que tiene un significado. No existen las coincidencias, a menos que uno haga un evento y se convierta en una coincidencia. Todo tiene sentido. Todo se relaciona conmigo; todo se relaciona con todo el mundo. Quizás este juego de azares y coincidencias, depositado en mí es por alguna fuerza que desconozco, cualquier otra deidad religiosa, o puramente genética que me obliga a amar y adorar todo acerca de Pixies. Doolittle es el pináculo de mi filosofía. Como quien adora una pintura, es una condición médica, o un cierto estado de sueño. Este disco toma cada recuerdo de mi vida, cada pesar, y todas las esperanzas depositadas de una epoca. Todos estos conceptos, ideas. inspiraciones, sensaciones y emociones mezclan en una estimulante historia: la música.
Dalí fué uno de los más grandes surrealista de la época, pintó el arte más abstracto y complejo de todos los tiempos. Sus relojes derretidos forman una lúgubre parte de la historia, un paisaje desecado de proporciones inquietantes. Dentro de su amplio catálogo de pinturas existe una pequeña nota en base al sueño causado por el vuelo de un abejorro alrededor de una granada un segundo antes de despertar. La pintura retrata tal y se como afirma, un sueño. El sueño, al parecer sólo dura un segundo, pero es muy detallado. La obra de Dalí también marca la pauta de la parálisis del sueño, una condición médica en la que la víctima experimenta la incapacidad de mover físicamente su cuerpo a pesar de que él está despierto. Durante este estado, la víctima a menudo oye ruido, musica o como hablan a su alrededor. En general, es una experiencia realmente aterradora. La parálisis del sueño es un acertijo bastante interesante, pero ¿es suficiente para hacer un álbum completo? Por supuesto que no, a menos que uno tome la filosofía declarada y lo aplique a la parálisis del sueño, cosa que a mi me sucedio con este disco, y es que a veces, llegan discos en nuestras vidas que nos afectan y nos hacen sentir y cobrar otro significado mas grande que la propia vida, lo descubrí en el momento justo de mi existencia, y me ayudó a provocar un despertar musical en mí, es uno de esos discos que sólo te pueden hacer sentir bien, es atractivo, accesible a la vez que abrasivo, extraño pero encantador,  pegadizo pero disonante, Pixies eran algo así, como un boxeador que se apresura, ofrece una furia de golpes y luego se inclina para que alguien tenga la oportunidad de conseguir plenamente el golpe definitivo. Pixies eran precisamente el tipo de banda que hizo todo bien desde el principio y nunca miró hacia atrás, y Doolittle es el mayor logro de su breve pero legendaria carrera. Aunque no hay evidencia de ningún miembro de la banda sea víctima de esa parálisis, Doolittle suena como uno de los discos más personales de la historia y Debaser define el concepto del álbum. Black Francis, escribe voces perfectas en todo el álbum. 
Doolittle cuenta como una declaración. Cuenta con muchas canciones magníficas, pero lo que hace un álbum clásico es su consistencia, variedad y valor generacional. Cientos de escuchas después de 20 años todavía se pueden encontrar nuevos rincones y grietas en el álbum que añaden  significado. El álbum tiene muchas sorpresas y es famoso por su dinámismo, y mucho de ello tiene que ver con la gran variedad de estilos vocales de Black Francis. El ejemplo perfecto de este estilo es el clásico "Gouge Away", que comienza con una línea de bajo y voces susurrantes, que luego explotan en feroces gritando a todo volumen. Doolittle nunca descansa, nunca se tambalea, ni incluso un segundo, ni una sola vez suena aburrido y no tiene absolutamente relleno. Doolittle es el epítome de la coherencia, fué el punto de referencia para el rock alternativo y más personal, un álbum que significó un infierno y una salvación para muchos.
Cuando el sol se pone, dormimos, pero ¿quién sabe lo que encontraremos mañana. ¿Seremos paralizados, o vamos a encontrar un sueño que podamos controlar como un sueño lúcido? ¿Vamos a despertar y encontranos nosotros mismos igual que la noche anterior? ¿O vamos a despertar descansados y listos para cambiarnos para mejor? Estas son las preguntas que deberias hacerte, la música es algo mas que música y nos cambia para siempre.

Puntuación *10/10

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Reseña: Foo Fighters - "FOO FIGHTERS"

 FOO FIGHTERS

"FOO FIGHTERS"

Roswell

1995

¿Como decir una animadversion de una forma elegante y educada para que la gente no se sienta ofendida? Dejemoslo en que este ha sido mi primer, único y último acercamiento a Foo Fighters, por lo que es fácil intuir mis ideales sobre esta banda. Dave Grohl siempre me pareció un baterista justito y peor cantante, por lo que haber llegado hasta donde lo ha hecho me parece desmesurado, en este caso no voy a entrar al trapo por sus cualidades en Nirvana, pero como cantante sus deficiencias me parecen notorias si lo comparamos con sus compañeros de generación. No contiene ni la profundidad ni la calidez de (Vedder, Cornell, Lanegan...) lo que ocurre es que es mejor caer en gracia que ser gracioso y él a sabido labrarse la leyenda y la fama a base del mito de otra persona, en este caso la historia la conocemos todos y es de conocimiento común considerar el primer esfuerzo de Foo Fighters como un proyecto o una demo. Después de la prematura muerte de Kurt Cobain en 1994 fue difícil para todos volver a vivir pacíficamente su existencia, especialmente para Dave Grohl que se enfrento a la historia y cayó en depresión y paso meses enteros en un estado de apatía. La música no parecía ser parte de su vida hasta que, gracias a su aparición en los MTV Movie Awards 1994, y muchas dudas, le vino la idea de grabar una vez y para todas las canciones escritas y compuestas en los últimos cinco años. Seis días de grabaciones, pasaron de una habitación a otra de Robert Lang Studios para tocar todos los instrumentos y la decisión de llamarse Foo Fighters, es el nombre en clave utilizado por los pilotos de la Segunda Guerra Mundial para indicar los ovnis. Finalmente "Foo Fighters" se pondria en marcha, un proyecto, una banda y una historia que como el ave fénix, no hay más marcas que la de la "resurrección" de Grohl que paso de un ser oscuro y sombrío con una visión con pocos precedentes alegres a realizar temas del calado nirvalesco y hacerlos mucho mas "pops". Este primer disco es un soplo de aire fresco, de energía renovada y de positividad para crear una ruptura con el mundo de Nirvana. Decir que Grohl es un gran compositor es sin duda decir algo exagerado. Sería mejor verlo como un excelente artesano: no necesariamente con una capacidad dotada, pero si meticuloso, atento y trabajador.
Han pasado casi 20 años desde el lanzamiento de "Foo Fighters" (fue el 4 julio de 1995) y lo que era entonces un joven de veintiséis años que trató de recoger los pedazos de su vida, es ahora una leyenda contemporánea, compositor, productor, multiinstrumentista, cantante y un padre que logró redimirse y crear una nueva imagen de sí mismo. "Foo Fighters" en su simplicidad es un álbum inmediato, espontáneo, y que, fue capaz de emerger y definir la recta final y los sonidos de una de las bandas más aclamadas de hoy. "I'll Stick Around" y "Big Me" son los temas a mi gusto mas reseñables del album.

Puntuación *7/10

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Reseña: R.E.M. - "MONSTER"

 R.E.M.

"MONSTER"

Warner

1994

Recuerdo como si fuera ayer cuando salió este disco a la venta y escucharlo sin parar en la desaparecida tienda Virgin Megastore de Paseo de Gracia de Barcelona. No es el mejor álbum de la banda, pero, sin embargo, desde el momento en que lo escuché por primera vez en 1994, he tenido nada más que amor por Monster. He de admitir que hay un elemento nostálgico a esto. Todavía recuerdo la primera vez que vi el vídeo de “What’s the Frequency, Kenneth? en el programa de TV Sputnik. Monster no fue mi primer contacto con REM, debido a una combinación de mi corta edad por aquel entonces (17) y las preferencias musicales en ese momento en mi vida (Nirvana, Weezer, The Smashing Pumpkins), puedo decir 20 años despues, que me siento apenado en las formas que siempre se ha es difamado injustamente Monster, para mi gusto se destaca como uno de los mejores albumes de la decada de los 90s.
Es el disco "Grunge" de R.E.M., es el álbum de la distorsión, de las reverberaciones, y de las camisas de flanelas. El cierre es claustrofobico en sí mismo, es un disco lleno de pensamientos perversos e incómodas confesiones inconfesables, un disco confuso y agitado, que sufrió de episodios tales como la muerte. Si Automatic For The People es el comportamiento correcto, Monster es una fuerza incontenible. Un lugar donde hundirse lentamente, donde las canciones se queman con la vida. 
Después del increíble éxito de la REM con sus dos obras anteriores se tomaron el lujo de desarrollar un nuevo estilo, lejos de sus normas tradicionales. El sonido que sale no está solamente influenciado por la escena "grunge" de aquellos años, sino también por una fuerte repesca de sonidos de los 70s. El disco está construido casi exclusivamente en la guitarra de Peter Buck y esto ya es una nota interesante, ya que, por lo general, el estilo de Buck es mínimo y difícil de alcanzar. Este trabajo emana una gran cantidad de energía. El álbum fue grabado en Seattle, el nuevo hogar de Buck, y este aspecto dice mucho de la clase de contaminación que el disco contiene en su interior. Thurston Moore, gurú del ruido experimental, mente brillante y alucinante de Sonic Youth, así como un viejo amigo de Michal Stipe, consagra este baño en las aguas sagradas del rock alternativo para bautizar este trabajo con un cameo en Crush With Eyeliner. La experimentación está configurada para que sea la columna vertebral de Monster, todas las canciones son pequeños ejercicios de estilo, cada una tiene algo especial que lo diferencia de la otra. El resultado final es entonces un poco como un "monstruo" de las formas poco definidas. El título del álbum podría entonces ser entendido como un comentario autocrítico de la banda. 
Monster es un homenaje a la memoria de Led Zeppelin, T. Rex y el resto de protagonistas de los magníficos años setenta, una mayor expansión de las fronteras de su propio sonido. Siempre desde el punto de vista de los temas y atmósferas, se debe recordar que si el Automatic For The People tenía algo fúnebre este monstruo es todavia aún mas delicado hacia los dos artistas famosos que murieron prematuramente: River Phoenix y Kurt Cobain. Ambos artistas fueron amigos de Michael Stipe, River Phoenix había muerto el año anterior (de ahí la dedicación en el álbum) por el contrario, Kurt Cobain, murió durante la grabación de Monster y el trágico episodio terminó afectando inevitablemente a la realización del disco. Un ejemplo notable es la canción Let Me In, cuyo texto se conoce con claridad y pasión los últimos acontecimientos problematicos del líder de Nirvana. 
Crush With Eyeliner es áspera, habla de un enamoramiento a veces de una obsesión casi voyeurista. Strange Currencies por el mismo camino, pero con más romance, es una explosión hipnótica de ira y de frustración de un amor lleno de matices.  Para completar el cuadro, la Nirvalesca What's The Frequency, Kenneth? y la ya mencionada Let Me In, son un epitafio que sacude el alma con golpes de feedbacks. Monster es despiadado, le da al oyente un sonido sucio con letras que van mas allá de la moralidad. Da gusto revolcarse en los placeres que nos ofrecieron en este trabajo, un disco puro y saludable. 

Puntuación *8,5/10

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